Was ist im Museum los? Hamish Bowles auf 3 Must-See-Ausstellungen von Manhattan bis Montreal

Wenn Sie sich vorstellen können, dass ich noch nie zuvor in Montreal war, also war ich abenteuerlustig – und gebündelt gegen die versprochene -15-Grad-Abendkälte –, als ich vor kurzem aufbrach.


Ich habe eine Bienenlinie für die Lebendigen gemacht Montreal Museum der Schönen Künste , präsentiert eine erhebende Ausstellung von Chagall: Farbe und Musik (bis 11. Juni und am LACMA vom 30. Juli bis 7. Januar 2018).

Sag nichts, aber Marc Chagall war nie mein Lieblingskünstler und ehrlich gesagt habe ich immer davon geträumt, an die Decke des Palais Garnier zu schauen und Jules Eugene Lenepveus bombastische Troisieme Republique Die Musen und die Stunden des Tages und der Nacht zu sehen als Chagalls verspielt grelles Werk von 1964, das Szenen aus Opern von vierzehn verschiedenen Komponisten zeigt (sein Werk passt besser in den Optimismus der New Yorker Metropolitan Opera aus der Mitte des Jahrhunderts).

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Ich war jedoch gezwungen, meine Reaktion auf Chagalls Arbeit mit der Ausstellung Chagall des Jüdischen Museums von 2013 neu zu kalibrieren; Love, War and Exile und die aktuelle Ausstellung des MMFA haben mich komplett bekehrt.

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Marc Chagall (1887-1985), The Blue Circus, 1950-1952, Öl auf Leinwand, 232,5 × 175,8 cm. Nizza, Musée national Marc Chagall, Hinterlegung des Musée national d’art moderne – Centre Pompidou, Paris. SODRAC & ADAGP 2017, Chagall .


CNAC / MNAM / Dist. RMN-Grand Palais / Art Resource, NY. Foto Gérard Blot

Bild kann moderne Kunst und Leinwand enthalten

13 Marc Chagall (1887-1985), Backdrop design for Aleko: „A Wheatfield on a Summer’s Afternoon“, 1942, Gouache, Aquarell und Bleistift auf Papier, 38,5 x 57,2 cm. New York, Museum of Modern Art, erworben durch das Lillie P. Bliss Vermächtnis. SODRAC & ADAGP 2017, Chagall .


Foto The Museum of Modern Art / Lizenziert von SCALA / Art Resource, NY

Eine diplomatische Kerfuffle führte dazu, dass Chagalls Originaltafeln, die 1920 für das Staatliche Jüdische Kammertheater in Moskau in Auftrag gegeben wurden, die Reise nicht antreten konnten, aber selbst in der Reproduktion haben die sieben erhaltenen Werke (jahrzehntelang in Sicherheit versteckt und erst 1991 wiederentdeckt) eine Lebendigkeit, die weist auf die kreative Energie dieses Kunstforums in der Zeit hin, bevor Sowjetrussland begann, die Freiheiten zurückzudrängen, die es seinen jüdischen Völkern ursprünglich gewährt hatte.


Unter vielen ikonischen (Selbstporträt mit sieben Fingern, 1912-1913; Green Violinist, 1923-194; The Blue Circus, 1950-1952) und weniger bekannten Werken (viele letztere aus Privatsammlungen und selten in der Öffentlichkeit zu sehen), die atemberaubenden herausragenden für mich sind die Bühnen- und Kostümentwürfe, die Chagall – der als Kind sowohl Geiger als auch Sänger werden wollte – für die Oper (eine Produktion der Zauberflöte von 1966 an der Metropolitan Opera) und das Ballett (Aleko, Mexiko-Stadt, 1942; The Firebird, New York, 1945; Daphnis und Chloe, Brüssel und Paris, 1958-59). Vor seinem Umzug nach Moskau war er als Chefset-Designer für das Theater der Revolutionären Satire in Witebsk tätig. Die Offenbarung der Ausstellung sind für mich die Kostüme selbst, die seine malerische Laune auf wundersame Weise in Stoff übersetzen. Chagalls Frau Bella beaufsichtigte den Bau einiger dieser Kostüme, und ihre fantasievolle Verwendung von Applikationen und malerischen Effekten schafft eine ungewöhnlich einfühlsame Interpretation der schillernden Vision ihres Mannes. Ich kann die Wiederaufnahme einer dieser Produktionen kaum erwarten.

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Alexei Jawlensky (1864–1941) Selbstbildnis mit Zylinder, 1904 Öl auf Leinwand Privatsammlung

2016 Artists Rights Society (ARS), New York für Alexei Jawlensky

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Alexei Jawlensky (1864–1941) Murnau, ca. 1910 Öl auf Karton National Gallery of Art, Washington D.C., Geschenk von Herrn und Frau Ralph F. Colin


National Gallery of Art 2016 Artists Rights Society (ARS), New York für Alexei Jawlensky

Es gibt mehr brillante Farbe und Vitalität bei der Neue Galerie in Manhattan, das die Arbeiten von Alexei Jawlensky (bis 29. März) zeigt und von Vivian Endicott Barnett wunderschön kuratiert wird. Um ehrlich zu sein, bin ich erst durch Karl Lagerfeld auf den Künstler aufmerksam geworden, der durch Druck und Stickerei oft auf Jawlenskys Kunst und Palette Bezug genommen hat. Ich habe Jawlensys mystische Gesichter-Serie geliebt (Garbo hatte eine Klammer), aber ich wusste weniger über den Rest des Oeuvres dieses Künstlers, der ein Freund und Zeitgenosse von Kandinsky, Paul Klee und den Kollegen der innovativen Münchner Gruppe Der Blaue Reiter war . Dies ist immerhin die erste eigene Ausstellung in den Vereinigten Staaten, und ich könnte nicht erfreuter sein, einige meiner Wissenslücken über diesen Schöpfer geschlossen zu haben, für den Kunst mit religiöser Erfahrung verwandt war.

Karl Lagerfeld war wieder in meinen Gedanken bei Paris umgestaltet 1957 – 1968 bei FIT , bis zum 15. April, das die seismischen Veränderungen aufzeigt, die die Modehauptstadt im Jahrzehnt nach Yves Saint Laurents Ernennung zum Creative Director bei Christian Dior (nach dem frühen Tod des gleichnamigen Gründers des Hauses) erschütterten – mit seiner jugendlichen Trapeze Line-Kollektion – und der anschließende Aufstieg der Konfektionsmode als kreative Modekraft, die die vitale Jugendkultur dieses revolutionären Jahrzehnts widerspiegelte. Karl ist mit einem Abendkleid vertreten, das er 1967 für Chloé entworfen hat, mit einem kühnen Blumenmotiv, das zu gleichen Teilen Jugendstil und Flower Power ist. Die Kuratorin Colleen Hill stellt dem technischen Perfektionismus der Haute-Couture-Designer (darunter Givechy, Balenciaga, Madame Grès und dem radikalen Metallbauer Paco Rabanne) die YouthQuake-Vitalität der aufstrebenden Ready-to-wear-Stimmen gegenüber. Da sind die frühe Sonia Rykiel (damals designte sie für den Laden ihres Mannes Laura), Michele Rosier (von V de V), Tochter der Gründer des Magazins Elle, Emmanuelle Khahn (die ihre Modekarriere als Mannequin bei Balenciaga begann) und natürlich Saint Laurents eigene Linie Rive Gauche, die seine Designs einer Kundschaft jenseits seiner Haute-Couture-Salons zugänglich machte. Zeitgenössisches Filmmaterial von Modenschauen, Filmclips und Musik von den Pin-Ups des Jahrzehnts Sylvie Vartan, Brigitte Bardot, Francoise Hardy und anderen tragen dazu bei, diese Zeit zum Leben zu erwecken.

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