Dieser Fotograf könnte die einflussreichste unbekannte Frau der Fashion Week sein

Läutet der Name Kim Weston Arnold eine Glocke? Clevere Waliserin oft in Nike Sneakers? Du kannst sie dir nicht vorstellen, oder? Aber sie kann sich dich sicher vorstellen, und du hast sie absolut auf Modenschauen gesehen. Arnold ist seit mehr als 30 Jahren als Laufstegfotograf tätig und hat als einer der Vertragsfotografen von Indigital Hunderttausende von Laufstegbildern für . fotografiertMode. Schauen Sie unten rechts in die Diashows der Vogue Runway-Kollektion und Sie sehen ihren Namen dort direkt unter dem Bild von Cara Delevingne oder Eva Herzigova oder Naomi Campbell.

Fotografiert von Kim Weston Arnold / Indigital.tv

Als Frau, die Shows für Vogue Runway aufnimmt, ist Arnolds die entscheidende Hand in der visuellen Wirkung und dem Erbe einer Show. In ihren Aufnahmen sorgt sie dafür, dass Katastrophen abgewendet werden – Models fallen, rutscht aus, Verzierungen fliegen weg, Schlitze reißen sich auf –, hat aber auch mit ihren Kollegen von Indigital das Erscheinungsbild eines Modenschau-Images definiert: direkt auf Models trotzige Blicke, Kleidung von vorne fotografiert. Man könnte sogar so weit gehen zu sagen, dass dieser visuelle Stil die Art und Weise verändert hat, wie Kleidung entworfen wird – wenn Sie nur die Vorderseite von Kleidungsstücken sehen, warum sollten Sie sich dann mit der Rückseite beschäftigen? Wenn zweidimensionale Grafiken und Silhouetten auf einem Foto wie diesem die beste Wirkung erzielen, werden Trends wie Streetwear-Logos und dramatische Formen mit Poufärmeln die sinnliche, haptische Mode überholen.

Fotografiert von Kim Weston Arnold / Indigital.tv

Abseits des Laufstegs lebt Arnold in einem restaurierten Bauernhaus auf Ibiza und erzähltModedass sie gerne Designs aus Phoebe Philos Céline-Kollektionen und Rei Kawakubos Comme des Garçons tragen würde, aber oft trägt sie Gartenkleidung und hängt mit ihrer 12-jährigen Tochter ab. Manchmal, sagt sie, gehe sie zu einem Modeevent auf die Partyseite Ibizas, aber normalerweise geniesse sie das Landleben weit weg vom Zentrum der Modewelt.

Im Vorfeld der Frühjahrssaison 2019 haben wir uns mit Arnold unterhalten, um herauszufinden, wie es ist, eine der wenigen Frauen in der Fotografengrube zu sein, was eine großartige Modenschau ausmacht und ob wir wirklich unsere Beine loswerden müssen.

Fotografiert von Kim Weston Arnold / Indigital.tv

Wie bist du zur Laufstegfotografie gekommen?

Mit 19 zog ich nach London mit der Absicht, ein Jahr zu arbeiten, bevor ich ein Studium der Bildenden Kunst mit Schwerpunkt Fotografie begann. Durch einen Freund lernte ich einen Fotografen kennen, der eine Assistentin suchte und mir einen Job anbot. Es war der legendäre Chris Moore, der dafür bekannt ist, von den 1950er Jahren bis heute alle großen Modenschauen gecovert zu haben. Meine Arbeit umfasste die Entwicklung des Films; damals war es schwarz-weiß, da er hauptsächlich für Zeitungen arbeitete und bei Studioaufnahmen assistierte. Chris fuhr nach Mailand, Paris und New York und schickte die Filmrollen mit den Zeitungsredakteuren zurück, und ich verbrachte Tage und Nächte damit, die Bilder für die Tageszeitungen zu entwickeln und zu drucken. Wir arbeiteten mit sehr knappen Fristen und ich muss sagen, ich beneidete ihn um seinen glamourösen Lebensstil auf der Straße, als ich die Shows sah und fotografierte. Ich schätze, das Adrenalin, während des Konfektionsmonats hektisch zu arbeiten, um die Fristen einzuhalten, und sich dann wieder in normalere Arbeitszeiten zu entspannen, hat meine Begeisterung für die Branche angeheizt. Ich wusste nichts über Mode, aber es schien mir, als gäbe es dieses riesige Zentrum kreativer Energie, das zu bestimmten Zeiten des Jahres seinen Höhepunkt erreicht, und ich wollte ein Teil davon sein. Seit mehr als 30 Jahren ist Chris Mentor und Freund geblieben, und ich bin ihm für alles, was er mir beigebracht hat, zu großem Dank verpflichtet.

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Fotografiert von Kim Weston Arnold / Indigital.tv

Erinnern Sie sich an die erste Show, die Sie fotografiert haben?

Ich durfte Chris 1984 beim Fotografieren der London Fashion Week unterstützen und war hin und weg von der Energie von Bodymap und John Gallianos erster Kollektion, Les Incroyables. Wir Fotografen saßen zusammengekauert am Rand des Laufstegs [bei der Galliano-Show], tauchten auf, um unsere Bilder zu machen, und gingen dann wieder in die Hocke. Ich erinnere mich, dass Fotografen schrien: „Lehn dich nicht raus!“ und merkte, dass sie mich anschrien. Dann verstand ich, dass dies kein rasendes Frei-für-Alles war, sondern dass für jeden Fotografen, der in die Laufsteg-„Familie“ aufgenommen werden wollte, strenge Arbeitsprotokolle galten.

Fotografiert von Kim Weston Arnold / Indigital.tv

Was gefällt dir daran, ein Laufstegfotograf zu sein?

Nachdem ich Fotografie studiert hatte, ging ich zurück aufs College und machte bis 1991 einen Abschluss in Bildender Kunst bei Goldsmiths, arbeitete aber immer wieder für Chris und entschied mich nach meinem Abschluss, mich als Laufstegfotograf zu versuchen. Der Anfang war ein ziemliches Abenteuer, denn es ist ein Teufelskreis, für eine gute Publikation zu arbeiten, um von jedem Modehaus eingeladen zu werden, aber die Bilder zu brauchen, um die Zeitschriften überhaupt zu interessieren. In meiner ersten Saison habe ich so viel Energie darauf verwendet, in die Shows zu stecken, wie sie tatsächlich zu drehen, an Wachen vorbeizuschlüpfen, oft über die Kulissen, und andere Fotografen zu bitten, mir als Assistentin zu helfen, und wenn ich einmal drin war, versuchte ich, einen Arbeitsplatz zu finden unter den etwa hundert Fotografen, die die großen Shows abdecken. In meiner zweiten Saison hatte ich es geschafft, Australier zu interessierenModein meiner Arbeit, und es war eine große Erleichterung, tatsächlich Einladungen zu erhalten und durch die Eingangstür zu gehen – nun ja, die Seitentüren, da ein riesiges Rudel widerspenstiger Fotografen so weit wie möglich von den Gästen ferngehalten wurde. Trotzdem erinnere ich mich, dass ich an vielen Türen darum gebeten habe, eingelassen zu werden. Karla Otto war immer sehr liebenswürdig; Sie würde sagen: „Warten Sie hier, bis alle drin sind und wir sehen, ob Sie Platz haben“, und das geschah unweigerlich nach einem nervenaufreibenden Warten.

Nach dem Wechsel vom analogen Film zum digitalen Anfang der 2000er Jahre wurde in dieser Hinsicht alles viel einfacher. Eine Sendung zu verpassen war nicht die enorme Katastrophe, die es gewesen wäre, wenn jede Zeitschrift ihren Originalfilm brauchte, da die Vervielfältigung von Dias einen großen Qualitätsverlust bedeutete. Als wir am Film arbeiteten, wurden Hunderte von Fotografen benötigt, um alle Zeitschriften zu liefern, die Bilder benötigten, und es war wirklich enorm stressig, sicherzustellen, dass wir in jede Show kamen und einen Platz zum Arbeiten fanden. Die tatsächliche Wertschätzung der Show stand oft an zweiter Stelle, als einen Weg zu finden, gute Bilder zu machen.

Fotografiert von Kim Weston Arnold / Indigital.tv

Welche Art von Shows sind am einfachsten zu fotografieren – und am schwierigsten?

Nun, ich denke, es ist eine Kombination von Faktoren, und nicht unbedingt die offensichtlichen, dass die Models bei guter, gleichmäßiger Beleuchtung langsam gehen, die Augen hochhalten und uns ihre Konzentration geben und gut gehen. Wir brauchen auch Adrenalin. Nach jahrelanger Erfahrung konzentrieren wir uns und lassen unsere Hände übernehmen. Eine gut choreografierte Show hat immer einen guten Rhythmus – Modelle, die sich intensiv darauf konzentrieren, das Gefühl zu vermitteln, das uns der Designer vermitteln möchte; gute Beleuchtung; und natürlich tolle Klamotten. Die Aufregung, wenn all diese Elemente zusammenkommen, macht eine großartige Show aus, und das Fotografieren ist einfacher als eine scheinbar einfache Aufstellung. Manchmal haben wir Schwierigkeiten, wenn es sich bei der Show um eine installative Performance handelt, aber im Allgemeinen möchte der Designer in diesen Fällen nicht unbedingt, dass die Bilder die Modelle nach vorne zeigen. Ich denke an Undercover, dessen Shows ich liebe, aber schwer zu fotografieren sind, da es sich normalerweise um aufwendige Installationen handelt.

Was macht ein gutes Laufstegfoto aus? Wie stellen Sie sicher, dass Sie die beste Aufnahme erhalten?

Die Erfahrung, unter so vielen unterschiedlichen Bedingungen zu arbeiten, bringt mich an den Punkt, an dem die Fotografie zur Meditation wird. Ich beginne eine Show immer mit einiger Beklommenheit, weil ich nicht weiß, was mich erwartet; atmen Sie tief ein, wenn die Eröffnungsmusik beginnt; und dann entspanne dich und lass meine Hände übernehmen. Sie ahnen das Licht, den Gangrhythmus der Models, den Winkel, in dem sie sich drehen und reagieren. Wenn sich der Designer verbeugt hat, weiß ich, ob ich gute Arbeit geleistet habe und komme zurück in die Realität. Es ist intuitiv und sehr befriedigend, aber sehr frustrierend, wenn ich das Gefühl habe, dass ich den Rhythmus nicht gut eingefangen habe oder das Licht einfach so dunkel war, dass ich weiß, dass die Bilder, egal wie gut ich es geschafft habe, körnig oder matt aussehen werden.

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Fotografiert von Kim Weston Arnold / Indigital.tv

Wie würden Sie die Stimmung in der Fotografengrube beschreiben?

Nun, ich habe uns Laufsteg-Fotografen immer als eine große, dysfunktionale Familie beschrieben, die unsere Karriere darauf aufgebaut haben, durch New York, London, Mailand und Paris zu streifen, um Konfektions-, Herrenmode- und Haute-Couture-Shows zu zeigen. Natürlich gibt es in jeder Stadt viele lokale Fotografen, die die Zahlen anschwellen lassen, aber bis sie sich als Kenner der Seile und der internen Protokolle etabliert haben, sind sie als 'Touristen' bekannt und müssen sich das Recht verdienen, in die aufgenommen zu werden Familie. In der Vergangenheit waren wir eine viel, viel größere Gruppe von Fotografen, bis die digitale Fotografie bedeutete, dass die Shows zwischen Fotografen geteilt werden konnten, die sich normalerweise zu Gruppen zusammenschlossen. Damals war jede Show ein Schlachtfeld; es waren immer weit mehr Fotografen eingeladen – und ungebeten – als der Weltraum; und wir mussten buchstäblich Berge von Kamerataschen, Stühlen und allem, was wir finden konnten, bauen, um den Fotografen vor uns über die Schulter zu schauen. Wir wurden wie Sardinen eingepackt; Das einzige, was das ganze Rudel davon abhielt, zusammenzubrechen, war die Tatsache, dass wir von mehr Fotografen gestützt wurden.

Der Filmwechsel war eine Kunst für sich, da zwischen Bauchtasche und Kamerarückseite kaum Platz war, um die Hand zu bewegen. Wie Sie sich vorstellen können, brodelten die Spannungen oft und kochten manchmal über. Wir haben Kämpfe über Zentimeter umkämpften Raums ausbrechen sehen, und als eine der wenigen Frauen unter einer großen Menge von Männern habe ich mich manchmal über meine Berufswahl gewundert. Oft beendete ich eine Staffel und entdeckte blaue Flecken und hatte keine Ahnung, wie sie dorthin kamen, und ich war immer erstaunt, dass wir tatsächlich 30 Tage ununterbrochen von Show zu Show rennen konnten, manchmal 10 an einem Tag, über vier Städte, und seid trotzdem höflich zueinander.

Aber das hat natürlich die Verbindung zwischen uns geformt, da wir wussten, dass wir uns gut bewegen mussten, um den Monat zu überstehen; Geplänkel und Humor sind sehr wichtige Teile, um den Stress vor dem Überkochen zu bewahren – ich habe erwachsene Männer erlebt, die auf meiner Schulter eingeschlafen sind, während sie auf eine Show gewartet haben! Der gegenseitige Respekt bildete also die Grundlage für eine recht eingeschworene Gruppe.

Fotografiert von Kim Weston Arnold / Indigital.tv

Für Gäste: „Bitte die Beine losschlagen!“ ist das inoffizielle Motto der ersten Reihe. Wir müssen wissen: Wie wichtig ist das für ein Foto?

Die ideale Aufnahme ist in der Regel frontal zum Model, mit einem sauberen Lauf des Laufstegs hinter ihm, damit es sich vom Hintergrund abhebt. Wenn ein großer weißer Sneaker oder ein exquisites Stiletto auf einem schmalen Laufsteg ausgestreckt wird, könnte diese Ablenkung in jeder Aufnahme in voller Länge auftreten, daher möchten wir, dass die erste Reihe ihre Füße und Taschen so weit wie möglich einsteckt. Natürlich hat das Meme „Uncross your legs“ eine humorvolle, aber auch eine ernste Seite und signalisiert den Gästen auch, dass wir alle zusammen dabei sind! Jetzt sind Mobiltelefone eine ebenso große Ablenkung, da sich die Leute nach vorne lehnen, um die Show von der Seite zu filmen.

Welche Erfahrungen stechen in Ihrer 30-jährigen Karriere heraus?

Ich habe mich immer unglaublich privilegiert gefühlt, jede Alexander McQueen-Show besucht zu haben. Manchmal war der Stress, über eine Stunde außerhalb der Veranstaltungsorte abgehalten zu werden, und das Anstürmen, um einen anständigen Platz zu ergattern, überwältigend, aber die Shows selbst verursachten bei mir Gänsehaut, bevor sie überhaupt angefangen hatten! Das Kate Moss-Hologramm, die Wölfe – jeder einzelne von ihnen unglaublich. Als ich die erste McQueen-Show in der Garage mit seiner dicken Hose sah, erinnere ich mich, dass ich dachte:Was ist das?!Inmitten von allem anderen war das ein Moment, in dem ich dachte, ich hätte etwas Wichtiges gesehen. Ich weiß nicht, was es ist oder wie es von Leuten interpretiert wird, die sich wirklich mit Mode auskennen, aber es gibt eine Energie, die einfach unglaublich ist. Ich denke, dass Sarah Burton großartige Arbeit geleistet hat, um sein Vermächtnis weiterzuführen.

Das gleiche gilt für Comme des Garçons. Ich bin ein riesiger Fan von Rei Kawakubo und habe viele Jahre damit verbracht, stundenlang vor den Shows von Comme und Junya Watanabe zu warten, in der Hoffnung, eingelassen zu werden. Es fühlte sich immer so an, als hätte ich Zugang zu einem geheiligten Club bekommen, als ich es war. Jetzt erhalte ich die Einladung jede Saison und es ist einer meiner liebsten Momente während der Fashion Week.

Es war auch fantastisch für mich, einige der unglaublichsten Gebäude jeder Stadt zu besuchen, von einer Dachshow in der Grande Arche de la Défence über die Pracht von Stella McCartneys üblichen Vorführungen im Palais Garnier bis hin zu einer Retrospektive von Dior im Schloss Versailles in 2007.

Fotografiert von Kim Weston Arnold / Indigital.tv

Hat sich Ihre Arbeitszeit nach der Geburt Ihrer Tochter geändert?

Meine Tochter wurde im Juni 2006 geboren. Ich habe die ganze Saison vor ihrer Geburt abgedeckt und war im sechsten Monat der Schwangerschaft in Paris. Ich erinnere mich an einen lustigen Moment in Mailand, als ich etwas spät bei der Versace-Show ankam, mich durch die Menge drängte und meine Kameratasche den Fotografen hochwarf, die sich bereits auf dem hohen Podium aufstellten, und das Gerüst hinaufkletterte. Als ich mein Bein über die Stange oben schwang, kommentierte einer der britischen Pressefotografen, Cavan Pawson, ironisch: „Sollten Sie in dieser Phase des Spiels nicht zu Hause sitzen und Stiefel stricken?“ Von 3 Monaten bis sie 18 Monate alt war, sind wir mit ihrem Papa nach Mailand und Paris gefahren und ich habe sie zwischen den Shows gestillt, sodass ich es tatsächlich geschafft habe, meinen Wunsch zu erfüllen, so lange wie möglich zu stillen und keine Staffel in der prekären Rolle zu verpassen als freiberuflicher Fotograf. Meine Tochter ist jetzt 12, und als sie auf die Welt kam, habe ich beschlossen, auf maximal drei Wochen unterwegs zu sein. Konfektionsware mache ich nur in London, Mailand und Paris, Herrenmode ebenso und Couture. Nur New York besuche ich nicht, aber vielleicht gehe ich in Zukunft wieder hin.

Fotografiert von Kim Weston Arnold / Indigital.tv

Als ich versuchte, Sie online zu recherchieren, fand ich es fast unmöglich. Sie haben ein Instagram-Konto, das jedoch nicht sehr aktiv ist – warum?

Wenn ich nicht arbeite, halte ich mich eher zurück, und in den letzten 15 Jahren widme ich meine Zeit der Restaurierung eines Bauernhauses auf einem Berggipfel auf Ibiza. Ich nutze also kaum Instagram und muss sagen, dass mein Modesinn eher Inspiration als Akquisition ist. Ich neige dazu, Gartenkleidung zu tragen, obwohl ich bei Gelegenheit gerne meine wenigen wertvollen Artikel von Comme des Garçons trage, und würde gerne Yohji Yamamoto kleiden, wenn ich das Budget hätte. Ich liebe Phoebe Philos Céline. In einem anderen Leben würde ich die wunderschön geschnittenen Kleider von McQueen und Vivienne Westwood oder Antonio Marras tragen, aber da ich zum Schlichten und Diskreten tendiere, enthält meine Kapselgarderobe viel reduzierte, klare Linien und Schwarz.

Fotografiert von Kim Weston Arnold / Indigital.tv

Wie haben Sie als jemand, der buchstäblich an vorderster Front der Mode steht, den Wandel der Modenschau in den letzten 30 Jahren erlebt?

Modenschauen haben sich im Laufe der Jahre stark verändert. Als ich Anfang der 90er anfing, waren die Supermodels in ihrer Blütezeit. Christy Turlington ist mein absolutes Lieblingsmodel. Dann hatten wir Heroin-Chic und Grunge, reduzierten Minimalismus und die hohe Theatralik von John Galliano und Alexander McQueen. Als Fotograf analysiere ich die Shows selbst nicht wirklich, während ich arbeite; Mein Fokus liegt normalerweise auf Komposition, Licht und Farbtemperaturen. Aber ich liebe es, danach die Rezensionen von Suzy Menkes oder Sarah Mower zu lesen, die alles so in einen Kontext setzen, dass ich fasziniert und lerne!

Worauf freuen Sie sich in dieser Saison am meisten? Irgendwelche bestimmten Shows oder Städte, die du am liebsten fotografierst?

Ich liebe London; Die Energie dort ist im Moment sehr gut, auf den Straßen und bei den Shows. Aber es ist Paris, wo meine Aufregung steigt, zu sehen, was die japanischen Designer kreieren, die mit Stars besetzte Show von Saint Laurent, die fabelhaften Chanel-Sets. Paris legt die Messlatte immer noch sehr hoch.

Dieses Interview wurde bearbeitet und verdichtet.

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