Eine Pose einnehmen! Warum Madonnas „Vogue“ auch 30 Jahre später noch aktuell ist

In den 1980er Jahren hätte das Wort „Vogue“ kaum mehr als eine Zeitschrift in Erinnerung gerufen – das heißt, es sei denn, Sie tauchten in die New Yorker Gegenkultur ein, wo es eine völlig andere Bedeutung angenommen hatte. Nach vielen Jahrzehnten im Schatten war der Prunk der Harlem Ballszene, einer Gemeinschaft afroamerikanischer und lateinamerikanischer Kreativer, die ihre eigene Welt des Selbstausdrucks durch das Medium Tanz und DIY-Mode aufbauen wollten, bereit, den Mainstream zu erreichen.


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1989 veranstaltete Susanne Bartsch den ersten jährlichen Love Ball als AIDS-Spendenaktion. Bartsch hatte gesehen, wie viele dieser Tänzer und Außenseiter in ihrer Avantgarde-Boutique in der Spring Street, einer der ersten in den USA, die Designer wie John Galliano und Vivienne Westwood. Entsprechend fasziniert lud sie sie zu einem Ball in die Innenstadt ein, wie ihn noch niemand zuvor gesehen hatte. Die Richter enthaltenMode’s André Leon Talley, das Supermodel Iman, und Talking Heads-Frontmann David Byrne; Irgendwo in der Menge, laut queerer Folklore, war Madonna selbst und wurde Zeugin, wie die legendären Häuser von LaBeija und Ninja mit ihren Dips, Pops und Spins den Laufsteg stürmten. Als der lange, heiße Sommer 1990 anbrach, war Madonnas „Vogue“ weltweit an der Spitze der Charts – und wurde schließlich die meistverkaufte Single des Jahres – und diese subkulturelle Bewegung war offiziell in den Zeitgeist übergegangen.

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Rückblickend auf den 30. Jahrestag der Veröffentlichung hätte „Vogue“ nie der Hit werden dürfen, der es war. Im Interview mitPlakat, der Produzent des Songs, Shep Pettibone, bemerkte, dass sie ihn als Last-Minute-Track in einem Kellerstudio für 5.000 US-Dollar aufgenommen haben; innerhalb einer Woche wurde der endgültige Schnitt an die Führungskräfte von Madonnas Plattenlabel gesendet. Während sie instinktiv wussten, dass der Song mehr als nur eine B-Seite verdiente, kämpften sie darum herauszufinden, wie der Sänger ihn zwischen den Albumzyklen veröffentlichen könnte. Irgendwann landete es ungeschickt im Soundtrack fürDick Tracy– Madonnas neuestes Filmprojekt – obwohl es überhaupt nichts mit dem Film zu tun hat. Entgegen aller Widrigkeiten wurde es ein außer Kontrolle geratener Hit.

Aber es war nicht nur der Song und seine unwahrscheinliche Mischung aus damals Underground-House-Musik mit mittleren acht namenprüfenden Old-Hollywood-Filmstars, die die öffentliche Vorstellungskraft erregten. Es war das ikonische Video unter der Regie von David Fincher, viele Jahre bevor er zum preisgekrönten Autor von Filmen wie . wurdeFight ClubundDas soziale Netzwerk. Das schwarz-weiße Weichzeichner-Visual wurde direkt von den Seiten der Modemagazine inspiriert, die die Tänzer verehrten. (Es wird gemunkelt, dass Horst P. Horst sogar eine Klage wegen mangelnder Anerkennung seiner Inspiration in Betracht gezogen hat.) Und für jeden, der an Madonnas Engagement für den Geist der „Vogue“ zweifelt, muss man sich nur ihre MTV Awards ansehen Leistung aus demselben Jahr. Ganz angezogengefährliche LinksDrag, sie und ihre Tänzerinnen flitzen ihre Fans mit der glamourösen Nonchalance von Marie Antoinette und lassen sie campen.

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Das Video selbst wurde von Jose Gutierez Xtravaganza und Luis Xtravaganza aus dem House of Extravaganza choreografiert und präsentiert, die sich in Krawatten und Gamaschen verkleidet und um Madonna herumwirbeln, während sie ihre alten Hollywood-Ikonen nachäfft.Sie hatten Stil, sie hatten Anmut, Rita Hayworth gab ein gutes Gesicht.Beide Xtravaganzas choreografierten ihre berüchtigte Blonde Ambition-Tour; in schmeichelhaften Begriffen festgehalten von 1991 Wahrheit oder Pflicht , und später noch ergreifender im Jahr 2016 Eine Pose einnehmen , die darlegte, wie diese breitere Aufdeckung begann, die Integrität der Szene, aus der sie kamen, zu beeinträchtigen, insbesondere angesichts der anhaltenden AIDS-Krise. Letzterer untersuchte auch, wie Madonnas Rolle, das Vogueing-Phänomen ins öffentliche Bewusstsein zu bringen, immer mit dem fieberhaften politischen Kontext verbunden sein wird, aus dem es hervorgegangen ist. Auf der ganzen Welt ahmten viele die verspielten, übertriebenen Gesten der Harlem-Ballsäle nach, ohne die tiefere Bedeutung dieser Tanzbewegungen zu erahnen, was zu der ewigen Frage führte: Waren Madonnas Bemühungen, diese übersehene Szene zu würdigen oder anzueignen?


Es ist ein Thema, mit dem sich Ryan Murphys preisgekrönte Show nachdenklich auseinandergesetzt hat Pose , das 2018 uraufgeführt wird, um die Geburt der Ballsaalszene in Harlem mit einer Authentizität nachzuerzählen, die nur durch akribische Recherche erreicht werden kann. Die zweite Staffel nahm den Moment, als Madonnas „Vogue“ die Charts erreichte, als Ausgangspunkt. Während einige seiner Charaktere die Nachrichten mit Begeisterung aufgenommen haben, da die queere Underground-Kultur in etwas verpackt wurde, das die Öffentlichkeit respektieren und schätzen konnte, gingen andere, wie Billy Porters Pray Tell, mit Skepsis an sie heran und erkannten, dass die Verwässerung ihrer Kultur in eine Reihe von Tanzbewegungen würden es nur als Modeerscheinung in Erinnerung behalten.

Beide Perspektiven sind gültig, aber die Ironie besteht jetzt darin, dass „Vogue“ als keines dieser Dinge in Erinnerung bleibt – stattdessen wird es im Nachhinein als eine seismische Verschiebung für die queere Kultur im weitesten Sinne angesehen, da sie zum ersten Mal den Mainstream erreicht hat Zeit. Ja, es gibt berechtigte Fragen in Bezug auf Madonna, die von einer Bewegung profitiert, die von einer marginalisierten Gemeinschaft angeführt wurde, zu der sie nicht gehörte, die sie jedoch auf ihre Weise zurückgab. Schon im Jahr vor der Veröffentlichung von „Vogue“ waren die Liner Notes zu ihrem AlbumWie ein Gebetkam nicht eine Reihe von Dankeschöns an diejenigen, die ihr bei der Aufnahme geholfen hatten, sondern eine dringende Nachricht, in der die „ Fakten über AIDS “, um Safer Sex zu fördern, der bisher sichtbarste Schritt in ihren Bemühungen, das Bewusstsein für AIDS/HIV zu fördern. Und obwohl sie gelegentlich das Ziel verfehlt, wer kennt die Anzahl junger, queerer Farbiger, die Madonnas Video auf MTV sahen und darin eine Gemeinschaft erkannten, die eine Rettungsleine versprach. Die Möglichkeit, Stöcke zu heben und nach New York City zu ziehen, wo sie in den vier Wänden des Ballsaals ein kleines Stück Freiheit finden konnten.


Im Kern sind sowohl das Lied als auch das Video Oden an den Eskapismus. Während nur wenige von uns in der Lage sind, sich direkt mit dem dringenden Bedürfnis nach Aufbruch zu identifizieren, das die Kultur, die sie hervorbrachte, 30 Jahre später definierte, können wir uns immer noch in dem wahnsinnig euphorischen Gefühl verlieren, wenn der Refrain von „Komm schon, Vogue!“ wird von einem DJ gespielt. (Oder gerade jetzt, während wir bequem von zu Hause aus gesperrt dazu tanzen.)

Schließlich ging es bei seiner emotionalen Resonanz, ob von Madonna beabsichtigt oder nicht, immer um das obsessive Streben nach Schönheit und wie wir sie demokratisieren können. Mit einem Modemagazin im Wert von 3 US-Dollar könnte ein verschlossener queerer Schwarzer oder Latinx-Kind, der in den Vororten der 80er-Jahre Amerikas aufwächst, einen seltenen Moment der transportierenden Fantasie genießen. Heute, wo viele Länder die LGBTQ+-Community weiterhin ablehnen, hat dies leider immer noch Bedeutung. Die Models, die mit ihren extravaganten Posen und opulenten Umgebungen die Seiten der Modemagazine zieren, tragen die Gewissheit einer freieren, hemmungslosen Welt, in der sich die Selbstdarstellung ungehindert entfalten kann.


Die Enttäuschung liegt nicht bei Madonna, sondern einfach darin, dass diese Bilder ein Versprechen bieten, das wir auch drei Jahrzehnte später noch nicht vollständig umgesetzt sehen. Wenn man vergleicht, wie viel und wie wenig sich 30 Jahre nach der Veröffentlichung von „Vogue“ verändert hat, erinnert es eindringlich daran, dass die Arbeit unserer Brüder und Schwestern aus vergangenen Jahrzehnten immer noch nicht getan ist. Also, bleiben Sie nicht nur stehen – kommen wir dazu.