Power Dressing: Den Einfluss der Politik auf die Mode aufzeigen

Marine Serre hat in ihren Kollektionen immer Gesichtsbedeckungen verwendet (wie diesen Upcycling-Pullover aus dem Herbst 2020), die von der traditionellen Burka bis hin zu Sturmhauben, die von Demonstranten weltweit getragen werden, an alles erinnern – etwas, das sowohl Lob als auch Kritik hervorgerufen hat.

Illustration von Christina Zimpel

„ES GIBT JAHRZEHNTE, in denen nichts passiert, und es gibt Wochen, in denen Jahrzehnte passieren.“ Das berühmte Lenin-Zitat ist im Jahr 2020 akut resonant, inmitten einer globalen Pandemie, die Hunderttausende getötet hat, und anhaltender Proteste, die durch den Tod von Breonna Taylor und George Floyd und die Erschießung von Jacob Blake ausgelöst wurden. Grenzen werden geschlossen, Millionen arbeitslos, ganze Industrien wurden dezimiert. Inzwischen steht die seltsamste und vielleicht folgenreichste Präsidentschaftswahl in der amerikanischen Geschichte vor der Tür.

Was hat das alles mit Mode zu tun?

Alles, wie sich herausstellt. Mode ist ein weltumspannendes 2,5-Billionen-Dollar-Geschäft, das allein in den Vereinigten Staaten mehr als 1,8 Millionen Menschen beschäftigte, bevor COVID-19 unsere Küsten erreichte. Seine Berührung reicht vom Sternenreich des roten Teppichs bis hin zu Sweatshops so weit entfernt wie Bangladesch und so nah wie Los Angeles. Schätzungen zufolge ist die Branche für bis zu 10 Prozent der jährlichen globalen CO2-Emissionen verantwortlich. Mode beschwört auch die Träume der Gesellschaft herauf, hinterfragt ihre Normen und reflektiert, was sie über sich selbst glaubt. Und doch bleibt die Frage bestehen:Kann Mode politisch sein?Darauf muss die richtige Antwort lauten: War es nicht schon immer? Im Mittelalter untersagten die Prunkgesetze den Bürgern, sich über ihrem Stand zu kleiden; Während der Französischen Revolution trugen Sansculottes robuste Hosen als Zeichen des Stolzes der Arbeiterklasse. In der Nähe unserer eigenen Ära benutzten die Black Panthers Kleidung, um die Macht zu ergreifen und sich ihr zu widersetzen und Hockerröcke sublimierten den Triumphalismus des Reagan-Konzerns. Es gibt unzählige Beispiele für diese Art der Verflechtung.

„Mode fungiert als Spiegel unserer Zeit und ist daher von Natur aus politisch“, bemerkt Andrew Bolton, Wendy Yu-Kuratorin für das Costume Institute am Metropolitan Museum of Art. „Es wurde verwendet, um patriotische, nationalistische und propagandistische Tendenzen sowie komplexe Probleme im Zusammenhang mit Klasse, Rasse, Ethnizität, Geschlecht und Sexualität auszudrücken.“ Radikal sei heute, so Bolton, die Art und Weise, wie soziales Bewusstsein und Umweltbelange die Mode prägen: Designer weltweit, ob Indie-Start-ups oder international bekannte Maisons, beziehen Politik auf allen Ebenen ihrer Marken ein, aus den gesponnenen Fantasien auf dem Laufsteg bis hin zu den Grundlagen der Kollektionsproduktion. Diese Designer machen nicht nur Kleidung – zusammen mit Aktivisten und Organisatoren machen sieVeränderung.Und das ist ein Verkaufsargument.

1900s:

Der Kampf um das Wahlrecht begann mit der Frauenwahlrechtsbewegung.

Foto: Heritage Images

„Jede Entscheidung, die Sie als Unternehmen treffen, wird die Welt beeinflussen“, sagt Marine Serre, einer der Designer an der Spitze der neuen Modewelle. „Was du machst, wie du es machst, wie du über das sprichst, was du gemacht hast – für mich,allesist Politik.'

„Ich denke, die Leute verstehen es jetzt: Politik ist nicht binär“, sagt Virgil Abloh von Louis Vuitton und Off-White. „Es ist dieses System, in dem wir uns befinden und wie es sich manifestiert. Da ist die Politik auf deinem Handy und die Politik auf deiner Straße. Und ja, da ist die Politik deiner Kleidung.“

Mit „binär“ spielt Abloh auf Amerikas parteiische Spaltung an, die Polarisierung von Republikanern und Demokraten, Fox News vs. MSNBC, auf die sich die meisten Leute beziehen, wenn sie über Politik sprechen. Aber wie er feststellt, ist der Partisan nur ein Element des Politischen, und „die Politik Ihrer Kleidung“ kann heute alles bedeuten, vom Kauf eines von Off-Whites T-Shirts für junge schwarze Unternehmen – der Erlös geht in diesem Quartal an die Anti-Waffen-Gewaltorganisation Chicago CRED – dazu, aus Engagement für Nachhaltigkeit überhaupt nicht viel zu kaufen. Modepolitik könnte bedeuten, die #PayUp-Petition zu unterzeichnen, die von der Organisation Remake ins Leben gerufen wurde, nachdem Berichte berichtet wurden, dass Marken Fabriken nach COVID versteiften und bereits gefährdete Textilarbeiter im Stich ließen; es kann bedeuten, bei den Golden Globes ein schwarzes Kleid zu tragen, um Time’s Up zu unterstützen oder sich zu kleiden, um eine genderqueere Identität zu bekräftigen – all das heißt: Die Politik der Mode liegt im Auge des Betrachters. Aber sie sind da, anerkannt oder nicht.

„Es geht mir nicht darum, eine Meinung zu schreien, aber meine Arbeit beschäftigt sich offensichtlich mit Gesprächen über Rasse, Klasse, über Gerechtigkeit“, erklärt Samuel Ross, Designer des britischen Herrenmode-Labels A-Cold-Wall*, Finalist 2018 des renommierten LVMH-Preis. „Durch das Aussehen und die Haptik meiner Kleidung versuche ich, eine Erfahrung einzufangen, die von der Mode oft übersehen wird.“ Ross weist auf eine Kindheit hin, die er teilweise in Londoner Sozialwohnungen mit brutalistischen Strukturen aus gegossenem Beton verbracht hat; Indem er diese Erfahrung in etwas Erstrebenswertes umwandelt, bekräftigt er die Würde der armen Menschen und der Arbeiterklasse, die heute in Hochhäusern leben.

Serre hat derweil das Klima im Kopf. Sie widmet mindestens 50 Prozent ihrer Laufstegkollektion Upcycling-Kleidung – zum Beispiel kreiert sie ein glattes Kleid aus Vintage-Fair-Isle-Pullovern aus den Niederlanden – und ihre aktuelle Kollektion stellt sich vor, wie neue Gemeinschaften wie Phönix aus einer brennenden Welt entstehen. Es ist ein Thema der Hoffnung und Einheit, das sich auch in Serres Mondsichel-Logo widerspiegelt, das durch sein Erscheinen in Beyoncés . berühmt wurdeSchwarz ist König. „Es ist ein altes Symbol – es durchquert Ost und West; Sie sehen es in der arabischen Kultur und im Griechischen. Jeder kann sich in diesem Logo wiedererkennen – und Sie können es sich wie ich aneignen, weil es völlig kostenlos ist.“

1940er:

Sparsamkeit – und danach.

Lee Millers Bild von Kriegskleidung im Jahr 1941.

Foto: Lee Miller

Christian Diors aufwendiger New Look der Nachkriegszeit von 1947.

Foto: AP/Shutterstock

Serres Mond dient als Gegenpol zum Ethno-Nationalismus – wenn Sie ihn so interpretieren. Die Symbolik ist konstruktionsbedingt mehrdeutig. Martine Roses vielversprechendes Großbritannien-T-Shirt ist direkter: Mit einem Cartoon-Clown, der aus einem Kreis von EU-Flaggenstars hervorgeht, debütierte das Hemd als Teil einer Frühjahrskollektion 2020, die Rose zeigte, als Großbritannien auf den Brexit zueilte. „Aus meiner Sicht“, sagt Rose, „ist Mode ohne Meinungen und Argumente nur … Merch.“

Maria Grazia Chiuri scheint zuzustimmen. 2016 übernahm sie die Zügel bei Dior und eröffnete ihre erste Show mit einer Absichtserklärung Haus, das auf der Ur-Weiblichkeit des New Look von Gründer Christian Dior gebaut wurde. „Meinen – und den des Hauses – Wunsch zu erklären, sich vom Stereotyp der Frauen zu lösen, indem feministische Ideen integriert werden, ist eine Möglichkeit, Diors Erbe relevant zu halten“, erklärt Chiuri. 'In diesem Stadium sollte Feministin die Vorgabe sein.'

Feminismus, Pluralismus, Öko- und Klassenbewusstsein: Designer wie Ross, Rose, Serre und Chiuri beteiligen sich an entscheidenden Debatten. Für Virgilda Romero Vasquez geht es jedoch an der Schnittstelle von Mode und Politik um Leben und Tod. Romero Vasquez, eine Mutter von vier Kindern, die nach ihrer Ankunft aus Guatemala vor 19 Jahren in LA begann, in Bekleidungsfabriken zu arbeiten – und die immer noch nur etwa 300 US-Dollar pro Woche verdient – ​​wartete am 29. Juli ungeduldig auf das Ergebnis der Abstimmung des California Assembly Labour Committee über SB-1399, ein Gesetzentwurf, der das Stücklohnsystem abschaffen würde, das es Fabriken im Staat ermöglicht, Kanalisation weit unter dem Mindestlohn zu bezahlen. Romero Vasquez erholte sich auch von Symptomen im Zusammenhang mit COVID und ging in einem kleinen, luftlosen Gebäude zur Arbeit, in dem es, wie sie mir sagte, oft zu heiß ist, um eine Maske zu tragen. „Wir hatten 40 Leute, die arbeiteten“, sagt sie, „und sieben von uns haben das Virus bekommen, aber nur sechs sind zurückgekommen – der andere ist gestorben.“ (SB-1399 enthält auch Bestimmungen, um Marken für schlechte Bedingungen in den Fabriken, die sie mit der Herstellung ihrer Kleidung beauftragt haben, rechtlich haftbar zu machen. Wenn das Anliegen in der Ferne erscheint, kann Romero Vasquez Sie zu einer Neubewertung auffordern: Die Fabrik, in der sie zuvor arbeitete, produzierte fast ausschließlich für eine beliebte Fast-Fashion-Marke mit prominenten Botschaftern. Inzwischen beschreibt sie den Raum als rattenverseucht und sagt, es sei üblich, dass die Nagetiere auf die Kleidung urinieren und Kot machen ein schmutziger Ort“, sagt sie.)

Probleme der Arbeitsausbeutung in der Lieferkette der Mode – insbesondere der von Fast-Fashion-Marken – sind im Schatten glanzvollerer Diskussionen darüber, was wir tragen und warum, verschollen. Aber so wie Coronavirus-Ausbrüche in L.A.-Bekleidungsfabriken in diesem Sommer die Übertragungsexplosion in ganz Südkalifornien verursachten, betrifft die Arbeitsfrage schließlich alles und jeden anderen in der Branche. 'Wie konnte es nicht?' fragt Livia Firth, Mitbegründerin und Kreativdirektorin der Nachhaltigkeitsberatung Eco-Age und energische Verfechterin einer ethischeren Lieferkette. „Egal welche Kleidung du trägst,jemandmachte sie. Weißt du, wer? Und wie? Die neueste Form der politischen Mode besteht darin, diese Geschichte erzählen zu können.“

1960er:

Radikalismus ausdrücken

Jan Rose Kasmir bietet Soldaten während eines Anti-Vietnam-Protestes 1967 eine Chrysantheme an.

Foto: Marc Riboud / Marc Riboud Fund

Angela Davis und der Aufstieg von Black Power stellten den systemischen Rassismus in Frage – und der Kampf geht weiter.

Foto: CSU-Archiv/Everett Collection/Bridgeman Images

wo luftbefeuchter im haus aufstellen

Yves Saint Laurents Hosenanzüge von 1967 boten eine neue Idee der Befreiung.

Drop-out Boho-Chic wie gesehen inMode, 1968.

Foto: Maurice Hogenboom

Fragen zum Thema Arbeit sind relevant, egal ob Sie fragen, ob das profeministische T-Shirt auf einer Schaufensterpuppe von einer Frau in einem Sweatshop hergestellt wurde, oder ob Sie den Pro-Black Lives Matter-Instagram-Post einer Marke mit ihrer Vielfalt in vergleichen Einstellung. Oder wenn Sie – wie Chiuri für die Kreuzfahrt-Show 2020 von Dior – die Frage beantworten, indem Sie traditionelles Handwerk feiern und mit dem Studio Uniwax aus der Elfenbeinküste zusammenarbeiten, um ausdrucksstarke Neuinterpretationen von Toile de Jouy zu kreieren.

All dies ist ein notwendiger Teil der aufkeimenden Bewegung für Rechenschaftspflicht – die Daseinsberechtigung, die alles vereint, von ökoaktivistischen Kampagnen für Transparenz über Klimafolgen und Verschwendung bis hin zu Aufrufen zur kulturellen Aneignung (wie als Aktivistin Céline Semaan Serre wegen ihrer Verwendung herausforderte islamischer Bilder auf Burka-ähnlichen Gesichtsbedeckungen) bis hin zu Initiativen wie dem 15-Prozent-Versprechen, das diesen Sommer von Bruder Vellies-Gründerin Aurora James ins Leben gerufen wurde, um Einzelhändler dazu zu verpflichten, ihr Inventar von Unternehmen in Schwarzbesitz aufzustocken. Reden und leere Gesten reichen einfach nicht mehr aus. „Geben Sie ein wenig Geld, posten Sie ein schwarzes Quadrat auf Instagram und gehen Sie dann wieder zum Alltag zurück – es fühlte sich an wie ein großer PR-Push, als wäre der Aufstand nur ein vorübergehender Ausschlag“, sagt Stylist Law Roach über die Solidaritätserklärungen des Unternehmens herausgegeben inmitten der Proteste gegen Black Lives Matter im Juni. „Das hat wehgetan“, fügt er hinzu. 'Das hat mir sehr weh getan.'

Roach, der mit Stars wie Zendaya und Céline Dion zusammenarbeitet, sagt, dass sich die Forderung nach Verantwortlichkeit auch auf Prominente und Influencer erstreckt. „Sie können nicht einfach ein Foto von sich selbst in einem BLM-T-Shirt posten – die Leute stehen darauf; Sie werden in deinen Kommentaren erscheinen, wie, Was hast du?Genau genommenfür die Bewegung getan – und wer hat das Hemd überhaupt gemacht?“

„Schauen Sie – diese Selfies zu posten hilft, zuvor radikale Konzepte zu normalisieren“, sagt Apryl Williams, Assistenzprofessorin für Kommunikation und Medien an der University of Michigan und Fellow am Berkman Klein Center for Internet & Society in Harvard. „Ich lehne all das nicht ab, aber ich mache mir Sorgen, dass die Leute seine Macht überschätzen. Wenn Sie sich nicht wirklich mit den Themen beschäftigen, tun Sie nur etwas.“

Die Diffusion von Politik in die Performance ist natürlich eine allgegenwärtige Gefahr, wenn Mode sich für eine Sache einsetzt. Zum anderen wird die Politik selbst „modisch“ und damit dem Trendstoffwechsel der Mode unterworfen. „Was passiert, wenn ein Problem passé wird?“ fragt die Autorin und Aktivistin Naomi Klein, deren bahnbrechendes Buch aus dem Jahr 2000Kein Logo: Die Markenbullies ins Visier nehmengeht davon aus, dass viele der Gespräche über die Rechenschaftspflicht jetzt wieder auftauchen. „Das passiert unweigerlich, denn was Mode will, ist Neuheit – und was Bewegungen brauchen, ist“Zeit.“ Wie Klein betont, hat sich der Kampf für Arbeitnehmerrechte über Jahrzehnte aufgebaut und schreitet gleichzeitig mit der Globalisierung der Lieferketten voran, und in all dieser Zeit hat sich die grundlegende Forderung – das Recht auf gewerkschaftliche Organisation – nicht geändert. „Das ist der Game-Changer“, sagt Klein. „Arbeitnehmer sind immer ihre eigenen besten Fürsprecher, egal ob es um unbezahlte Überstunden oder unsichere Bedingungen geht. Der Trick“, fügt sie hinzu, „ist, wie man Marken dazu zwingt, das einzuhalten, oder?“

1970er:

Die zweite Welle des Feminismus, die von Aktivistinnen wie Gloria Steinem verfochten wurde, befähigte Frauen, ihre Kleidung für den Arbeitsplatz zu überdenken.

Gloria Steinem mit der Dichterin Maya Angelou.

Foto: Getty Images

In einen Pullover von Mario Valentino gekleidet, nimmt Model Kelly Emberg einen Arbeitsbesuch anMode, 1979.

Foto: Arthur Elgort

Eine Möglichkeit, um sicherzustellen, dass Sie, wie Firth es ausdrückt, „die Geschichte“ Ihrer Garderobe „erzählen“ können, besteht darin, zu wissen, wer Ihre Kleidung herstellt. Eine Designerin, die eine unabhängige Marke von bescheidener Größe führt, behält ihre Geschäftstätigkeit viel direkter als Chefs von Massenproduzenten mit unzähligen Tochtergesellschaften und renditefixierten Aktionären. Sie ist in der Lage, wie Rachel Comey beweist, ihr Geschäft auf ihre Werte auszurichten.

Comey ist eine feste Größe in der New Yorker Modeszene und hat beim Casting für Alters-, Rassen- und Größenblindheit eine Vorreiterrolle gespielt und sich selbstverständlich bemüht, ihre Marke so nachhaltig wie möglich zu gestalten. Als sie diesen Sommer ein ausführliches Unterstützungsschreiben für Black Lives Matter schrieb, machte sie einen erstaunlich offensichtlichen Punkt, dass sie ihren (vielfältigen) Mitarbeitern bezahlte Zeit für die Abstimmung gibt – und das sollten auch andere Unternehmen. „Ich habe noch nie über Dinge nachgedacht, wie den Versuch, Abfall zu reduzieren, dapolitisch,' Sie sagt. „Es ist mehr, dass ich das Gefühl habe, sein zu müssenverantwortlich– auf dem Etikett steht mein Name, oder?“

Obwohl Comeys Kleidung und Accessoires in mehr als 100 Geschäften weltweit verkauft werden, verlief die Expansion des Labels schrittweise . Inmitten der Sommerproteste haben sich Designer einiger der angesagtesten Labels von New York City – Eckhaus Latta und Jonathan Cohen, um zwei zu nennen – zusammen mit Comey einen Teil ihres Erlöses an Organisationen gespendet, die Black Lives Matter unterstützen. Ungeachtet der Tatsache, dass ihre eigenen Bilanzen aufgrund von COVID erschüttert worden waren. (Dies ist nicht ohne Beispiel: Während der Rezession 1990 schlossen sich New Yorker Designer zum dreitägigen Seventh on Sale Basar zusammen, um Geld für den Kampf gegen AIDS zu sammeln.)

Andere neue Marken haben ihr Geschäft bewusst darauf ausgerichtet, etwas zurückzugeben. Lidia May, eine Luxuslederwarenlinie mit Sitz in Bangladesch, wurde von May Yang und Rasheed Khan mit dem ausdrücklichen Ziel gegründet, „die lokale Herstellergemeinschaft zu stärken“, wie Yang es ausdrückt, und arbeitet mit einer in Dhaka ansässigen Basisorganisation zusammen, um Frauen auszubilden in höher entlohnten Fähigkeiten wie Stickereien und deren Anstellung, um die filigranen Verzierungen auf den Handtaschen der Marke herzustellen. (Vollständige Offenlegung: Ich bin im Beirat von Lidia May.) „Wir möchten als Vorbild dienen, das andere Marken kopieren können“, sagt Khan. „Die meisten Unternehmen kommen wegen der billigen Löhne nach Dhaka; Was würde passieren, wenn sie stattdessen in diese Gemeinschaft investieren würden?“

Laut Dorothée Baumann-Pauly, Direktorin des Genfer Zentrums für Wirtschaft und Menschenrechte, sickert diese Denkweise bereits auf größere Marken durch. Sie zitiert das französische Unternehmen Decathlon, das seinen Lieferanten langfristige Verpflichtungen eingeht und mit ihnen zusammenarbeitet, um Geschäftsmodelle zu entwickeln, die es sowohl der Marke als auch den Mitarbeitern ermöglichen, zu gedeihen. „Kluge Unternehmen“, sagt Baumann-Pauly, „sehen Sie die Schrift an der Wand: Sie sollten Ihre Praktiken besser an dem ausrichten, was diese junge Generation von Verbrauchern für legitim hält.“

1980er:

Das Mantra des Jahrzehnts „Gier ist gut“ wurde durch den Reichtum an Hockerröcken und Power-Dressing veranschaulicht.

Model Aly Dunne trägt einen schwungvollen Rock aus Seidentaft von Christian Lacroix für Patou inMode,1987.

Foto: François Halard

Cindy Crawford zeigt ihre Machtschultern (von Louis Dell'Olio für Anne Klein) inMode, 1987.

Foto: Bill King

Die Gesundheit des Planeten ist ein Anliegen, das diese Verbraucher beschäftigt. In ihrem Buch von 2019Fashionopolis: Der Preis von Fast Fashion und die Zukunft der Kleidung,Dana Thomas stellt fest, dass der durchschnittliche amerikanische Käufer im Jahr 2018 68 Kleidungsstücke kaufte – mehr als ein Kleidungsstück pro Woche. Es ist eine Henne-Ei-Frage, ob Unternehmen die Produktion gesteigert haben, um den scheinbar unstillbaren Appetit der Verbraucher auf Neues zu befriedigen, oder ob dieser Appetit durch das enorme Angebot an Waren geweckt wurde (allein Zara produziert jedes Jahr etwa 450 Millionen Kleidungsstücke). – aber die Folgefrage ist dieselbe:Was machen wir mit all dem Zeug?

Secondhand-Shopping ist eine Antwort. Generation Z'er strömen zu Apps wie Depop, mit denen sie aus den Schränken ihrer Kollegen sparen können, und Quellen aus einem McKinsey-Bericht von 2019 sagen voraus, dass der Wiederverkaufsmarkt in einem Jahrzehnt größer sein könnte als der von Fast Fashion – eine freudige Aussicht, wenn Sie Sorgen Sie sich um die Millionen Tonnen Kleidung, die jährlich auf Deponien entsorgt werden. Andere Antworten sind Upcycling – das Gewinnen von Fasern aus Stoffen, um neue herzustellen – und „Regenerieren“, wie Marine Serre ihre innovative Methode zur Wiederaufbereitung alter Kleidungsstücke und Textilien nennt.

Ehrlich gesagt fühlt es sich ein bisschen seltsam an, über die Gefahren der Überproduktion und des Überkonsums von Mode zu schreiben, wenn inmitten von COVID Bestellungen storniert wurden, Geschäfte untergehen und Käufer ihre Ausgaben bremsen. Aber irgendwann wird sich die globale Modemaschine wieder drehen – und die Branche wird sich entscheiden müssen, ob sie sich so schnell und so rasend drehen muss wie bisher. Viele Designer sagen nein: Dries Van Noten, Erdem Moralioglu und Tory Burch haben im Mai einen „Offenen Brief an die Modeindustrie“ unterzeichnet, der auf einer kollektiven Abschwächung bestand, mit weniger und kleineren Kollektionen und Kleidern, die im Einklang mit den Jahreszeiten, für die sie produziert wurden.

Für Käufer bedeutet dies weniger Rabatte und mehr Sparen für schöne Kleider – eine vergessene Gewohnheit, die wir alle wieder lernen könnten. Und da sich Designer auf zweckmäßigere Stücke mit einem längeren Lebenszyklus umorientieren, erwarten Sie, dass High Fashion den Prozess der Streetwear-Revolution fortsetzt, indem sie die Grundnahrungsmittel kreativ neu erfindet und auf die Idee verzichtet, dass jede neue Kollektion die letzte auslöschen muss. Diesen Ansatz sieht man bereits auf dem Laufsteg von Gucci, wo Alessandro Michele im Laufe der Zeit Ideen und Motive entwickelt – denken Sie an seine respektlose Interpretation des GG-Logos oder seine fortwährende Romanze des peinlich-schicken Hosenanzugs, einen Look, den er als geschlechtsneutral propagiert. Neuheit um der Neuheit willen istaus; was istinist fröhliche Mode für alle, unabhängig von Größe, Rasse oder Geschlecht. „Die Aufgabe der Mode“, wie Demna Gvasalia von Balenciaga es kürzlich formulierte, „ist es, die Person, die sie trägt, zu begeistern. Meine kommenden Saisons sind voller Licht, obwohl wir uns in diesem tiefen Loch schrecklicher Dinge befinden. Durch unsere Arbeit können wir über diese Hoffnung sprechen – das Licht am Ende des Tunnels.“ Dass es bald selbstverständlich sein wird, Jungen mit ach so süßen Hello Kitty-Taschen über den Laufsteg zu stolpern (wie kürzlich bei Balenciaga), ist Teil eines langfristigen Prozesses der Neupriorisierung, der sich durch die Pandemie herauskristallisiert hat, wie Designer Überlegen Sie, worauf es ankommt – Schönheit, Qualität, Authentizität – und werfen Sie ab, was nicht wichtig ist. „Wir haben diesen Moment, um innezuhalten und neu zu bewerten“, bemerkt Klein. 'Lass es uns benutzen.'

1990er Jahre:

Auf die Straße: ACT-UP kämpfte für Menschen mit HIV und AIDS, während Grunge, die Antithese zum 80er-Jahre-Glanz, es 1992 auf den Laufsteg von Perry Ellis schaffte.

Foto: Dan Lecca

Vor 30 Jahren, kurz vor dem Fall der Berliner Mauer, veröffentlichte Francis Fukuyama einen Artikel mit dem Titel „Das Ende der Geschichte“. In Erwartung des Zusammenbruchs der Sowjetunion und damit des Kommunismus sowjetischer Prägung, der mit dem westlichen Kapitalismus um die globale Vorherrschaft parierte, argumentierte Fukuyama, dass die großen politischen Debatten alle beigelegt seien und dass „Politik“ in Zukunft eine Frage des Herumbastelns sei. Fukuyamas Denken war in vielerlei Hinsicht engstirnig, aber seine Analyse hilft zu erklären, warum in den letzten 30 Jahren vieles von dem, was die Mode vorhatte, darin bestand, Vintage-Ideen in immer mehr Clips durchzuschleifen. Wenn wir alle das Gefühl haben, schon alles gesagt und getan zu haben, warum dann überhaupt versuchen, etwas Neues zu sagen oder zu tun? Marc Jacobs hat diesen Zeitgeist in seiner Grunge-Kollektion für Perry Ellis eingefangen, die 1992 auf dem Höhepunkt des Jubels nach dem Kalten Krieg gezeigt wurde.

Ausnahme von dieser Regel ist der kreative Funke der Vielfalt, der durchaus Sinn macht: Wenn die Welt komplett ist – wenn es nirgendwo mehr zu gehen gibt – wird der „Schock des Neuen“ von Außenstehenden geliefert, die sich einkämpfen. Man muss hinschauen Nicht weiter als der störende Einfluss von Gender Nonkonformität auf die Mode, um diese Dynamik am Werk zu sehen, aber man kann sie auch in den sanfteren Provokationen von Olivier Rousteing sehen. Rousteing, der fast 10 Jahre an der Spitze von Balmain steht, hat es sich zum Ziel gesetzt, die Bedeutung von „Französisch“ zu erweitern.

„Gehen Sie durch die Straßen von Paris, es ist eine riesige Mischung – aber das spiegelt sich nicht im Bild von . widerder Pariser“, sagt er und bezieht sich auf das Stereotyp der weißen, wohlhabenden Stadtdame. „Es ist eine geschlossene Ästhetik – sie sagt den Leuten,Du gehörst nicht“, fährt Rousteing fort. „Wollen wir, dass diese alte Idee in weiteren 50 Jahren noch Bestand hat? Oder wollen wir etwas Neues sagen, worum es in der Mode geht?“

Im Juli feierte Rousteing das 75-jährige Jubiläum von Balmain, indem er seine Couture-Kollektion auf einem Boot auf der Seine ausstellte. Die Präsentation umfasste Silhouetten aus den Maison-Archiven – eine Runderneuerung, die Rousteing als Durchbruch positionierte. „Ich zeige der Öffentlichkeit:Hier bin ich, der erste schwarze Anführer eines der ersten französischen Modehäuser.Es war mein Protest.“

2000er:

First Lady Michelle Obama führte und kleidete sich mit Absicht und inspirierte Frauen mit ihren Entscheidungen – ob Mode oder andere.

Mrs. Obama, trägt J. Crew, inMode, 2009.

Foto: Annie Leibovitz

Die meisten Designer und Kreativen, die für diese Geschichte interviewt wurden, sind Schwarze, ebenso wie der Stylist Law Roach. Jeder von ihnen schreibt seine eigene Version von Mode und Modepolitik, ebenso wie Kerby Jean-Raymond von Pyer Moss, der die Branche verblüffte, indem er seine Frühjahrsshow 2016 mit einem 12-minütigen Video über Polizeibrutalität eröffnete; Der Visionär von Hood By Air, Shayne Oliver, dessen jüngstes Comeback begeistert aufgenommen wurde; Telfar Clemens, von White Castle – Kollaborationsruhm; multidisziplinäre Minimalistin Grace Wales Bonner; Amaka Osakwe, Gründer der in Nigeria ansässigen Maki Oh, deren Soigné-Looks einheimische Techniken einbeziehen, zählt Michelle Obama zu ihren Fans; Tyler Mitchell, der Fotograf und Filmemacher, der kürzlich einen Vertrag mit der Kreativagentur UTA unterzeichnet hat. Der Ruf nach mehr Vielfalt in der Mode hat sich im Zuge der BLM-Proteste verstärkt; Der Sinn dieser sehr verkürzten Liste besteht darin, zu zeigen, dass Inklusion für die Modebranche keine Verpflichtung ist, sondern eine Chance.

„Mehr schwarze Schöpfer bedeuten mehr Geschichten, mehr Ideen“, erklärt Abloh und erklärt, warum er in letzter Zeit ziemlich viel Zeit investiert hat, um Geld für einen Stipendienfonds zu sammeln, der schwarze Studenten an erstklassige Modeschulen schicken wird. „Als Branche müssen wir Wege finden, Leute aus der Community zu integrieren – was schwierig ist, wenn sich Praktika nicht auszahlen und die Einstellung stark davon abhängt, wen Sie oder Ihre Familie kennen.“ (Es ist auch schwer, wenn Unternehmen kein integratives Arbeitsumfeld fördern, könnte Abloh hinzugefügt haben – ein Thema, das eine andere neue Initiative, das Black in Fashion Council, mitbegründet von der Publizistin Sandrine Charles undJugendmodeRedakteurin Lindsay Peoples Wagner, wurde ins Leben gerufen, um anzusprechen.)

Mehr Vielfalt in der Modebranche ist prima facie gut. Aber es ist wichtig, klar zu sehen, was es istGewohnheittun, die die Krankheit der Lieferkette heilen. Seit Jahren konkurrieren hier Fragen der wirtschaftlichen Gerechtigkeit – eng definiert als das Recht auf Konsum – und das Recht der Textilarbeiterinnen, einen existenzsichernden Lohn zu verdienen, als ob das Beharren auf Letzteres gleichbedeutend sei mit Geringverdienern Amerikaner verdienen keine stilvollen Klamotten. Dies ist eine falsche Wahl: Amerikas Arme und Prekäre brauchen keinen Zugang zu billigen Wegwerfgütern – sie brauchenGeld.Sie befinden sich in der gleichen Zwickmühle wie die Textilarbeiter, da die wirtschaftlichen Folgen der Pandemie offengelegt wurden. Wenn es um Ungleichheit geht, ist Geld sowohl das Problem als auch die Lösung. Der Rest ist Lärm.

2010er:

Design als Aktivismus.

Die kraftvolle Dokumentation der schwarzen Geschichte in Kerby Jean-Raymonds Pyer Moss-Show im Frühjahr 2019 in Weeksville in Brooklyn.

Foto: Devin Doyle

Burberrys Pride-Kollektion im Herbst 2018.

Martine Rose glaubt, dass wir dank COVID jetzt plötzlich wieder mit einer Zukunft leben. Das Ende der Geschichte endete in dem Moment, in dem die Zahnräder der Welt zum Stillstand kamen – „einen Riss im Gefüge der Realität erzeugen“, wie sie es ausdrückt. 'Es scheint, als könnte nach so vielen Jahren des Herumfummelns an den Rändern des Vertrauten etwas wirklich Neues entstehen.' Sie verweist auf Bewegungen, die in früheren Momenten des Bruchs entstanden sind, wie Dada, das aus der Asche des Ersten Weltkriegs auftaucht, oder die Hippie-Gegenkultur, die der Gesellschaft, die den Krieg in Vietnam hervorgebracht hat, trotzt.

Ross von A-Cold-Wall* ist vorsichtiger. „Ich denke, COVID hat Gespräche aufgetaucht, die unter der Erde geführt wurden“, schlägt er vor. „Ich glaube nicht, dass das bedeutet, dass wir einen totalen sozialen Reset bekommen, aber es hat Raum geschaffen, um Fragen zu stellen. Wir könnensehendas System jetzt – und entscheiden Sie sich dafür, es in eine humanere Richtung zu entwickeln. Das macht es zu einer aufregenden Zeit, ein Designer zu sein“, fügt er hinzu, „denn Sie können den Wandel mit vorantreiben.“

Diese Verschiebung wird nicht das Werk einer einzigen Wahl sein. Es ist vielleicht nicht einmal das Werk einer Generation. Aber die Arbeit beginnt heute, und eine Schlüsselrolle kann die Mode spielen, ihre Genialität für die Traumerstellung zu nutzen, um den Menschen zu helfen, sich vorzustellen, was als nächstes kommt. „Lasst uns Veränderungen annehmen“, sagt Rousteing. 'So schreibt man neue Geschichte.'