Treffen Sie die Frau hinter den spektakulärsten Sets der Mode


  • Mary Howard setzt
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Natürlich ist die Authentizität, die Howard in ihre Arbeit einbringt, das Ergebnis akribischer Recherche und sorgfältiger Liebe zum Detail. Sie studiert das Thema jedes Shootings wochenlang im Voraus, sammelt Fakten über alles, vom Standort selbst bis hin zu den Feinheiten der historischen Referenzen eines Fotografen, und durchkämmt Flohmärkte auf der ganzen Welt nach spektakulären und unerwarteten Vintage-Requisiten. Howard, der neben ihrer eigenen die Karrieren mehrerer führender Produktions- und Bühnendesigner leitet, blickt auf ihr außergewöhnliches Werk zurück.


Mary Howard setzt

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Fotografiert von Arthur Elgort,Mode, Januar 2005

Khloe Kardashian 2001 Autounfall

Was war der erste Amerikaner?ModeErinnern Sie sich an die Arbeit?
Ich glaube, es war eine Grace [Coddington]-Geschichte mit Wayne Maser? Und eine Zebrastreifen-Kulisse? Vor langer Zeit! Nun, ich denke, die früheste und denkwürdigste Geschichte wäre 'Die zwölf Tage von Weihnachten' mit Steven Meisel in der Dezember-Ausgabe 1998 gewesen.

Ihre Arbeit ist seit Jahrzehnten eine feste Größe in der Mode. Wie haben sich die vielen Veränderungen in der Welt der Modefotografie auf Ihre Tätigkeit ausgewirkt?
Alles geht natürlich viel schneller. In den Anfangsjahren machten wir vielleicht 100 Shootings im Jahr; jetzt macht mein Studio fast 700 Shootings pro Jahr. Außerdem hat der Wechsel von der Filmfotografie zur Digitalfotografie ein neues Element für die Erstellung und den Aufbau des Bildes am Set eingeführt. Es ist eine viel unmittelbarere und nachsichtigere Arbeitsweise.


Sie recherchieren intensiv und erstellen Ordner für jedes Shooting, aber was ist der lohnendste Teil dieses Prozesses vor dem Shooting?
Ich würde sagen, der Entdeckungsteil – herauszufinden, wie das Aussehen und das Set aussehen können. Manchmal ist es sehr einfach oder spezifisch, daher ist nicht viel zu recherchieren, obwohl es oft offener ist und als erste Idee beginnt, die sich verändern wird. Während der Vorbereitung stoße ich auf eine Menge Material, das mich informiert, was ich zu jedem Shooting mitbringe. Und die Transformation kann am Set weitergehen, besonders wenn man sie in der Realität sieht – Dinge werden hinzugefügt, weggenommen. Es kann ein ständiger Prozess des Bearbeitens, Erkundens und Entwickelns sein, bis das letzte Bild aufgenommen ist.

Mary Howard setzt

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Fotografiert von Steven Meisel,Mode, 2015

Wie unterscheidet sich der Produktionsprozess für ein Fashion-Shooting vom Ablauf einer Show oder eines Live-Events?
Ich mache nicht viele Live-Events oder Shows, obwohl ich gerne mehr machen würde. Es ist eine ganz andere Energie und Wirkung, wenn ein Publikum anwesend ist – ganz zu schweigen davon, dass Sie oft in einem viel größeren Maßstab arbeiten. Ich denke, das Fotoshooting fühlt sich an wie eine Operation – jeder hat seinen Platz und seine Aufgabe; es ist sehr übersichtlich. [Am Set zu sein] ist ruhiger und konzentrierter, würde ich sagen. Es ist zweidimensional und nur das Visuelle zählt.


Wie halten Sie Ihre Ideen und Konzepte bei so vielen Shootings frisch?
Das beschäftigt mich immer, da ich es hasse zurückzublicken oder zu wiederholen. Mir ist es wichtig, das Image voranzutreiben. Ich denke, es geht darum, sich immer der Bilder bewusst zu sein und herauszufinden, was im Bild frisch sein kann. Dies erfordert, dass man weiß, was vorher war, davon Anleihen nimmt und dann eine neue Wendung oder Dimension hinzufügt.

Wo finden Sie am liebsten Materialien für Ihr Studio?
Meine Lieblingssachen finde ich auf der Straße weggeworfen – alte Möbel zum Beispiel. Natürlich ist der Pariser Flohmarkt immer ein Favorit für Kleinigkeiten und Stoffe. Es gibt einige Geschäfte in New York City, die versteckte Schätze sind, die ich oft besuche.

Wie bringen Sie bei Shootings, bei denen das Produktionsdesign nicht unbedingt im endgültigen Bild zu sehen ist, etwas von Ihrer Ästhetik in das Bild?
Ich versuche, wirklich keine Ästhetik zu haben, da ich mit den anderen Interessen beim Shooting arbeiten muss. Die Art Direction ist zum Beispiel nicht immer mein Geschmack, aber mein Job ist es, den bestmöglichen Look für die gegebene Richtung zu produzieren. Wenn das Set sehr einfach ist, sagen wir eine Wand und ein Boden, mag ich es, wenn es in Bezug auf Finish, Farbe, Textur verfeinert und aufgelöst wird, damit es im Bild Sinn macht, obwohl es wenige Elemente gibt.

Mary Howard setzt

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Fotografiert von Annie Leibovitz,Mode, 2010

Neben deiner persönlichen Arbeit vertrittst du auch viele der nächsten Generation von Bühnenbildnern/Produktionsdesignern. Wie würden Sie sagen, dass sich das Feld verändert?
Es gibt jetzt viele Bühnenbildner, aber es gibt eine Menge Bilder zu machen, und dies geschieht blitzschnell. Jeder der Bühnenbildner in meinem Studio geht auf neue und interessante Weise in Video und Still voran. Es ist jetzt wirklich anders als zu Beginn – sie müssen so viele Designentscheidungen in kürzerer Zeit treffen. Früher hatten wir viel mehr Zeit; Damals fühlte es sich nicht so an, als hätten wir viel Zeit, aber im Vergleich zu heute war es das!

Was würden Sie sagen, ist die Zukunft des Produktionsdesigns? Wohin sehen Sie das Feld?
Produktions-/Setdesigner für Print sind die unbesungenen Helden. Wir sind die Ersten, die zum Set kommen und die Letzten, die gehen. Wir erschaffen die Welt, die Umgebung, in der die Bilder gesetzt werden, und ich hoffe, dass Modeproduktionsdesigner mehr Anerkennung für ihre Rolle bei der Schaffung des Gesamtbilds, der Haptik und der Stimmung für das endgültige Bild erhalten, genauso wie Produktionsdesigner für film arbeiten sehr eng mit dem Regisseur und DP zusammen und werden sehr respektiert und für das Aussehen des Films gelobt. In Bezug auf die Zukunft würde ich mir wünschen, dass alle Designer auf Originalität und Innovation drängen. Die Ideen und die Kreativität, die wir einbringen, machen das Feld zu dem, was es ist, da wir die großartige Fähigkeit haben, eine authentische, ansprechende und inspirierende Welt zum Leben zu erwecken.

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