Mary Quant und ihre Chelsea Girls schwingen sich in das Londoner V&A Museum

Da morgen im V&A die Mary Quant-Ausstellung eröffnet, scheint es so, als würden Ursache und Wirkung einer Londoner Jugendrevolte unter einem Dach nachgestellt. Auf der einen Seite gibt es die Christian Dior-Extravaganz – die erfolgreiche Inszenierung der verträumten, romantischen, korsettierten Haute Couture der 50er Jahre – und auf der anderen nun die vollständige Ablehnung der Generation, die Quant in den 60er Jahren anführte.


Quant mag als das Mädchen in die Geschichte eingehen, das den Minirock „erfunden“ hat, aber sie hat sich diesem Tag bereits seit 1965 widersetzt von den Mädchen um sie herum, wie sie in ihrem Buch beharrteQuant für Quant, geschrieben, als der durchschlagende Erfolg ihres winzigen Basar-Ladens zu einem Imperium mit 150 Fachhändlern erblüht war und ihr massiver Ruhm in ganz Amerika verstärkt wurde. „Immer wieder wurde mir gesagt, ich sei für die ausgefallenen Klamotten verantwortlich, die als Chelsea Look bekannt wurden. . . die Leute liebten sie oder hassten sie. Aber tatsächlich ist kein Designer jemals für eine solche Revolution verantwortlich. Alles, was ein Designer tun kann, ist, eine Stimmung vorwegzunehmen, bevor die Leute merken, dass sie von dem, was sie bereits haben, gelangweilt sind.“

Zum ersten Mal hat Quant ein Gefühl eingefangen, das von der Straße sprudelte. Sie stand an der Spitze einer Bewegung, die sich dagegen auflehnte, dass das Modesystem hochnäsig von den Pariser Salons diktiert wurde. „Noch nie haben die Jungen das Tempo so vorgegeben wie jetzt. Nie zuvor waren so viele Führungskräfte, die Trendsetter in allen Bereichen des Designs, so jung“, schrieb sie. „Und Kleiderdesign ist nicht nur die bedeutendste und schnellste der dekorativen Künste, sondern auch die wichtigste, weil sie so persönlich ist.“ (Selten hat ein Designer eine so ehrliche und seit langem genaue Beobachtung gemacht.)

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Es passt daher, dass diese Ausstellung Quants Erbe mit der Energie ihrer Verbindung zu den Mädchen, die sich nach ihren Kleidern sehnten und sie inspirierten, spaltet. Die Show wurde teilweise aus dem Quant-Archiv und der Sammlung des V&A zusammengestellt, der Rest wurde jedoch durch einen offenen Aufruf an die Träger gesammelt, der vom Museum unter dem Hashtag #wewantquant verschickt wurde. Es bedeutet, dass der Schwung ihrer Karriere, der groovige A-Linien-Kleider, schulmädchenhafte Schürzen, Wetlook-PVC-Macs, helle Jersey-Kleider und passende Höschen herstellte, und all das Make-up mit Gänseblümchen-Logo, das folgte, von den Erinnerungen der Teenager geprägt ist und junge Frauen, die es mit einer solchen Leidenschaft gekauft und geliebt haben, dass sie es ihr ganzes Leben lang behalten haben.

Da ist das 1960er „Alexander Stripe“-Kleid von Carola Zogolovitch, die sich an Quants Bazaar-Boutique in der King’s Road als „bei weitem den stilvollsten Laden in London“ erinnert. . . The Road war ein Treffpunkt für einen eher lauen Kreis von späten Teenagern und frühen 20ern, die sich selbst erfanden.“ Nicky Hessenburgs tief tailliertes Cocktailkleid mit Blasenrock „wurde von meiner Mutter ‚als eine Art Bestechung‘ gekauft, um mich dazu zu bringen, auf Deb-Partys zu gehen.“ (Mädchen konnten die spießige Formalität der alten Sozialstandards ihrer Mutter nicht ertragen.) Pauline O'Shea kaufte 1964 als 21-jährige Schulsekretärin zu ihrem Gehaltspaket das dreiteilige Columbine-Etuikleid. Das Kleid O'Shea spended steht neben einem Foto eines typischen 60er-Jahre-Models, das es trägt – alle Winkel, mit dem Kopf gedreht, um ihren radikalen, fünfzackigen Vidal Sassoon-Schnitt im Profil zu demonstrieren. Es ist natürlich Grace Coddington.


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In Bezug auf die Kleidung können Modefreaks viel nachlesen – wie gut sie in den frühen Tagen verarbeitet waren; wie Quant befreiende Lösungen wie Strumpfhosen, passende Kleider- und Höschen-Sets und dehnbare Unterwäsche für furchtlose Mädchen entwickelt, die himmelhohe Säume tragen wollten. Es gibt wenig Fragen darüber, wie Quant ihr Gänseblümchen-Logo so brillant erdacht hat und im Grunde genommen die Vorlage dafür geschrieben hat, wie Modebranding und -marketing bis heute durchgeführt werden. Und es gibt nichts, was Quant und London in den Kontext von Popmusik, Sexualpolitik und öffentlichen Veranstaltungen einordnen könnte – was schade ist, denn das V&A hat all das zeitgenössische Material in seinen Archiven aufbewahrt.

Es sind die Einblicke in die gelebte Mode, die das Beste an dieser Show ausmachen: die Testamente der Spender sowie die Projektionen von TV-Dokumentationen und Wochenschauen, die Quant bei der Arbeit zeigen, ihre revolutionären Shows mit tanzenden Mädchen, spielenden Popgruppen, und amerikanische Ladenkäufer werden verrückt. Junge Designer von heute werden die Aufnahmen von Quant bei der Arbeit fesselnd finden: Sie spricht darüber, wie „furchtbar schwer es ist, mit dem Designen anzufangen“, darüber, die ganze Nacht wach zu bleiben, wenn sie eine Idee hat, und darüber, wie man Dinge für „die junges berufstätiges Mädchen, das das Tempo vorgibt. . . sie sind lässig und unglaublich sexy.“


Später wird Quant in ihrem Nähzimmer festgehalten, wie sie mit einem Glas Wein auf einem Schneidetisch sitzt und mit ihrem Mann und Geschäftspartner Alexander Plunket Greene eine Anprobe überprüft. Es scheint das Ende einer sehr langen, harten Nacht in Chelsea zu sein. Das war dann aber plus ça Wechsel!

Letztendlich ist es die Realität der menschlichen Erfahrung und die Freude an der gelebten Mode, die den Unterschied zwischen einer Show mit Vintage-Kleidung auf Attrappen und einer Ausstellung ausmacht, die viele Lächeln entfacht – nicht nur bei den Frauen, die Quant trugen oder überhaupt erstrebt, sondern von ihren Enkeln, die überwältigt sein werden, wie cool ihre befreiten Omas wirklich waren. Und zweifellos sind es immer noch.


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