In Eva Hesses Formen größer und kühner: Geister, wilde Farben und Fluss

Während ihrer kaum mehr als zehnjährigen Karriere, die 1970 mit ihrem Tod an Hirntumor im Alter von 34 Jahren endete, hat die in Deutschland geborene amerikanische Künstlerin Eva Hesse der zeitgenössischen Skulptur neue Formen, Verfahren und Bedeutungen verliehen. Obwohl sie als Malerin begann, ist sie vor allem für ihre Arbeit in drei Dimensionen bekannt: Skulpturen aus damals unorthodoxen Materialien wie Latex, Gummi, Glasfaser und Seil. Ihre wiederholten, aber eigenwilligen, oft offenen Formen (zum Beispiel Gefäße oder Ströme) verwandelten den strengen, „heroischen“ Monumentalismus des Minimalismus in eine zugleich abstrakte und sehr persönliche Bildsprache, mit Werken, die an den Körper erinnern – seine Zerbrechlichkeit, komische Unbeholfenheit , und Sehnsüchte.

Formen größer und kühner: Eva Hesse Zeichnungen aus dem Allen Memorial Art Museum am Oberlin College , eine gerade eröffnete Ausstellung in der Galerie Hauser & Wirth in Manhattans Upper East Side, konzentriert sich auf die Papierarbeiten der Künstlerin, eine parallele Praxis, die sie während ihrer gesamten Karriere fortsetzte. „Sie hat sich durchs Leben gezogen“, schreibt die Gelehrte Briony Fer im Katalog der Ausstellung. Hesses Leben war von oft tragischen Extremen geprägt, von Unsicherheit gezeichnet, aber gestützt von ihrer Vitalität und ihrem rastlosen Schaffensdrang.

Die 1936 in Hamburg in eine jüdische Familie geborene Hesse war zwei Jahre alt, als sie und ihre ältere Schwester Helen einen der letzten Kindertransportzüge bestiegen, um jüdische Kinder aus Nazi-Deutschland zu holen. Sechs Monate später wurden die Mädchen mit ihren Eltern in England wieder vereint und die Familie wanderte nach New York aus und ließ sich in Washington Heights nieder. Ihre Eltern trennten sich später und ihre Mutter beging 1946 Selbstmord.

Eva Hesse, ohne Titel, 1954

Zwillinge verschiedene Farben

Hesse hat sich in ihrer Kunst nie explizit mit der Shoah oder ihrer bewegten persönlichen Geschichte auseinandergesetzt. (Obwohl sie einmal in einem Interview sagte, dass die Gitterskulpturen von Carl André, ihrem Zeitgenossen und Einfluss, sie an „Konzentrationslager“ erinnerten.) Aber es ist schwer, ihre poetischen Schwarzweiß-Gouachen, Aquarelle, und Tuschezeichnungen aus den frühen 1960er Jahren und keine Geister sehen. Eine Pflanzenform strebt nach oben, einem unsichtbaren Licht entgegen; ein mysteriöser, leerer runder Hintern gegen eine kleinere Gestalt, deren enger Rahmen eine verlorene Intimität suggeriert. Scharen von losen, hektischen Graphitkritzeleien beschwören Armeen der Toten herauf.

Köln aus den 90ern

Die rund 70 Papierarbeiten der aktuellen Ausstellung stammen alle aus dem Archiv der Künstlerin am Oberlin College, wo das Allen Memorial Art Museum der Universität sie einst entscheidend früh unterstützte. Sie sind in (ungefähr) umgekehrter chronologischer Reihenfolge angeordnet und umfassen einfühlsame Lebensstudienzeichnungen und üppige Blumenaquarelle, die Hesse noch als Studentin der Art Students League, Pratt und Cooper Union angefertigt hat, sowie Collagen und Fotogramme, die sie während ihres Studiums mit den Bauhaus-Farbtheoretiker Josef Albers in Yale, wo sie mit einem BA . abschloss im Jahr 1959.

Eva Hesse, ohne Titel, 1961

Danach zog sie nach New York, saugte Einflüsse des Abstrakten Expressionismus und der Pop Art auf und führte rauschende Farbexplosionen zusammen mit Sternen, Pfeilen, Schachbrettmustern, Spiralen und Schriftstücken in Papierarbeiten ein, die mit Buntstiften bemalt und gekritzelt wurden , und collagiert, alles animiert von ihrer viszeralen Linie und am Rande der Lesbarkeit schwebend. Man denke an Arshile Gorky (eine AbEx-Malerin, deren Werk sie liebte) aber auch an den Weimarer Kollagisten Kurt Schwitters, der aus urbanem Schutt Poesie schuf. Andere Werke beschwören die surreale Mechanik einer Jean Tinguely-Skulptur, wie die große collagierte Gouache, in der ein geflügeltes Fahrzeug, gelb und kartarot, mitten im Flug gefangen zu sein scheint. Später gibt es schematische Zeichnungen, die die Energie und den Fluss der Skulpturen vorwegnehmen, die ihren Ruf in der Kunstwelt besiegeln würden.

Am seltsamsten ist vielleicht eine Serie von cartoonartigen „mechanischen“ Zeichnungen, die sie in ihrem Durchbruchsjahr 1965 anfertigte, als sie ihren damaligen Ehemann, den Bildhauer Tom Doyle, zu einer Künstlerresidenz begleitete, um in einem stillgelegten Flügel einer Textilfabrik zu arbeiten in der Nähe von Essen. Die Ehe scheiterte und die Rückkehr nach Deutschland war für die von Selbstzweifeln geplagte Hesse traumatisch. Aber die ausgedienten Maschinenteile, die in der Fabrik herumlagen, die Ruinen der postindustriellen Gesellschaft in einem Land, das nur zwei Jahrzehnte zuvor mit der Shoah den Tod im industriellen Maßstab hergestellt hatte, erwiesen sich als seltsam inspirierend. Sie waren sowohl komisch als auch niederträchtig, ihre Saugrohre und seltsamen Gelenke erinnerten an die inneren Leitungen eines Körpers. Bald würden sie ihre Arbeit in drei Dimensionen inspirieren. „Ich habe Zeichnungen gemacht, es kommt mir vor wie Hunderte, sauber, klar, aber verrückt wie Maschinen, größer und kühner, verständlich beschrieben – echter Unsinn“, schrieb sie an ihre liebe Freundin und Vertraute, die Konzeptkünstlerin Sol LeWitt, die sie drängte um ihr Zögern wegzuwerfen. „Das klingt gut, wunderbar“, schrieb er zurück. „Echter Unsinn – mehr tun!“