Wie 6 indigene Designer Mode nutzen, um ihre Kultur zurückzuerobern

Die Grenze zwischen Inspiration und Aneignung in der Mode ist oftverschwommen. Niemand weiß das besser als die indigene Gemeinschaft, deren heilige Drucke, handpolierte Lederarbeiten und Perlenapplikationen seit Jahrhunderten von Modehäusern nachgeahmt werden. Diese Art der kulturellen Aneignung, bei der Labels aus tief verwurzelten Designcodes schöpfen, ohne die Kultur, aus der sie stammen, anzuerkennen, ist besonders schädlich für indigene Völker, die an den Rand gedrängt wurden und bleiben. Aber jetzt schlägt eine neue Generation indigener Designer in Nordamerika zurück und nutzt ihre Kollektionen, um kulturellen Aktivismus und Basisbewegungen hervorzuheben, die heute wichtiger denn je sind – insbesondere angesichts der jüngsten Ereignisse wie der Pipeline-Proteste in Standing Rock.


Diese einzigartigen Designer stammen aus einer Vielzahl von unverwechselbaren Stämmen, von Ojibwe bis Kiowa, und verschmelzen die altehrwürdige Handwerkskunst ihrer Kultur mit neuen, unerwarteten Schnörkeln wie grafischem Siebdruck oder 3D-Druck. Die verbindende Botschaft? Die Rückeroberung ihres Erbes in einer Zeit, in der indigene Völker weiterhin unsichtbar bleiben. Die Kollektionen, die von Schmuck bis hin zu Konfektionskleidung reichen, lassen sich von traditionell bedeutsamen Elementen wie Tieren, historischen Regierungsdokumenten und kunstvollen Insignien wie den Powwow-Kleidern von Crees, Crows und vielen anderen Gruppen inspirieren eine andere in der Natur. „Das größte Missverständnis über indigenes Design ist, dass alles gleich ist“, sagt Designerin Bethany Yellowtail. „Krähen sind ganz anders als Navajos und Cheyennes sind ganz anders als Ojibwes. Es ist wirklich wichtig, diese Geschichten durch unser Design zu erzählen.“

Zum Glück gewinnt die einheimische Mode endlich an Boden. Diese Woche wird Toronto in die Fußstapfen von Australien und Vancouver, British Columbia, treten, indem es seine allererste Indigene Modewoche . Diese viertägige Initiative bietet Designern eine dringend benötigte Plattform und dient als vielversprechender Kontrapunkt zu der allgegenwärtigen Aneignung, die immer noch auf den Laufstegen von heute zu finden ist. „Wenn eine indigene Person Platz einnehmen und eine ehrliche, individuelle Sichtweise ihrer Persönlichkeit präsentieren kann, ist das unglaublich stark“, sagte Designer Evan Ducharme. Es werden Laufstegshows von Designern wie Ducharme, Podiumsdiskussionen über kulturelle Aneignung und ein Einkaufsmarkt mit authentischen indigenen Produkten angeboten. (Letztes Jahr, die „Native Fashion jetzt“ Ausstellung wurde auch im National Museum of the American Indian in New York City gezeigt, das die disruptiven Werke von mehr als 60 indigenen Designern zeigte.)

Treffen Sie unten sechs aufstrebende indigene Talente aus ganz Nordamerika, während sie über ihre neuesten Kollektionen, die Notwendigkeit von Aktivismus und die Kraft der Versöhnung sprechen.

Bethany Gelbschwanz
Etikett:B.Gelbschwanz
Stamm:Krähe und Northern Cheyenne
Mit Sitz in:Los Angeles, Kalifornien



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  • Bethany Gelbschwanz
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Der indigene Aktivismus gewinnt weiter an Dynamik und Bethany Yellowtail, eine der bekanntesten indigenen Designer, die derzeit arbeitet, treibt diese Energie an. Die Konfektionsdesignerin für Damen, die letztes Jahr an den Protesten Women’s March und Standing Rock beteiligt war und in einer sechsteiligen Dokumentation mit dem Titel . mitspielteAlternative– nutzt ihre Plattform, um Protestmode ins Rampenlicht zu rücken. Protestieren hat in der Geschichte der indigenen Völker schon immer eine wichtige Rolle gespielt: Von Sacheen Littlefeather Verweigerung von Marlon Brandos Academy Award , aufgrund der ungerechten Behandlung der indigenen Bevölkerung in Hollywood, bis hin zu den jüngsten Standing Rock-Protesten hat sich die indigene Gemeinschaft als ihr eigener größter Vermittler für Veränderungen erwiesen.

Ausgehend von dieser Geschichte veröffentlichte Yellowtail im Dezember eine Kapselkollektion, die sich speziell mit der Aktivismusarbeit ihrer Vorfahren befasste. Es führte zu Yellowtails Version traditioneller Flügelkleider und -röcke, die alle von bemerkenswerten Crow- und Northern Cheyenne-Frauen inspiriert wurden, die im Kampf gedient haben. „Diese Kollektion hat eine Intensität, aber man kann die traditionellen Elemente wirklich sehen“, sagte Yellowtail. „Es ist inspiriert von Frontverteidigern und den Frauen, die unsere Gemeinschaft führen. [Während der Proteste] habe ich mich mit brillanten Frauen aus allen Gesellschaftsschichten verbunden – Frauen, die an vorderster Front verhaftet werden.“


Yellowtail hat auch Stücke speziell für Teilnehmer des letztjährigen Indigenous Women Rise: Women’s March kreiert. Sie debütierte einen Seidenschal in limitierter Auflage namens Women Warrior, der mit einer Szene des Kriegshaubentanzes ihrer Crow-Kultur bedruckt war. „Es ist wichtig, dass sich Mode nicht nur für einen Trend einsetzt“, sagt Yellowtail. 'Es ist auf lange Sicht, denn diese Kämpfe dauern an.'

Yellowtail wurde in Montana zwischen der Crow Indian Reservation und der benachbarten Northern Cheyenne Indian Reservation geboren und aufgewachsen. Mit 18 zog sie nach Los Angeles, um am Fashion Institute of Design & Merchandising Design zu studieren und gründete 2015 ihr Label, nachdem sie für Private Labels und Brands wie BCBG Max Azria gearbeitet hatte. „Mir wurde klar, dass es keinen Raum gibt, der Ureinwohner authentisch repräsentiert“, sagte Yellowtail. „Ich habe für Marken gearbeitet, die ethnisch oder indigene Kollektionen herausbringen würden, aber ich habe mich nicht mit ihnen verbunden. Es war ein Glühbirnen-Moment. Ich musste meinen eigenen Raum schaffen.“


Neben ihrer eigenen Linie startete auch Yellowtail das B.Yellowtail-Kollektiv , eine Einzelhandelsplattform auf ihrer Website, die andere indigene Künstler und Designer unterstützt, von Ureinwohnern in Kanada bis hin zu Künstlern in den nördlichen Ebenen. Sie hofft, dass es dazu beitragen wird, ein Gefühl von Wirtschaftlichkeit und Selbstständigkeit für Designer in mehr segregierten Reservatengemeinschaften zu fördern. „Es gibt so viele brillante Künstler in indigenen Gemeinschaften, aber oft bekommen sie ihre Arbeit nicht für ihren tatsächlichen Wert verkauft“, sagte Yellowtail. „Auf der Website erhalten sie den Großteil der Einzelhandelskosten und sie werden direkt an sie gezahlt.“

Keri Ataumbi
Etikett:Ataumbi Metals
Stamm:Kiowa
Mit Sitz in:Santa Fe, New Mexico


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Keri Ataumbi verschmilzt das Alte mit dem Neuen. Über ihr Schmucklabel Ataumbi Metals kombiniert die Designerin die organischen Materialien ihrer Kiowa-Kultur mit innovativen Hightech-Finishes. „Ich kombiniere traditionelle indigene Elemente wie Feder- oder Federarbeit mit traditionellen und zeitgenössischen Goldschmiedetechniken wie [computergestütztem Design] und 3D-Druck“, sagte Ataumbi.

Ataumbi wuchs in der Wind River Indian Reservation in Wyoming auf und besuchte später sowohl die Rhode Island School of Design als auch das College of Santa Fe. Sie begann, Kunstwerke in Galerien auszustellen, aber 2012 verlagerte sie ihren Fokus auf ihre wahre Leidenschaft, den Schmuck, und gründete 2014 ihr Label. „Zu diesem Zeitpunkt wurden meine Arbeiten bereits von Museen und privaten Sammlern gesammelt.“ hinzugefügt.


Derzeit kreiert sie ihren Schmuck in ihrem Studio in Cerrillos Hills, das sich etwas außerhalb von Santa Fe befindet. Zu den Highlights der neuesten Kollektion zählen Ataumbis Statement-Ohrringe mit Stachelschweinhaar oder Fasanenfedern – Materialien, die traditionell für das Kiowa-Handwerk sind – und 18-karätigem Gold. Ein Büffel-Intaglio-Ring ist mit Gold und Diamanten verziert, während eine goldene und silberne Creolenkette die Reifen nachahmt, die von Powwow-Hoop-Tänzern verwendet werden. „Ich interessiere mich für Arbeiten, die Elemente, die wir als indigene Völker für wertvoll halten – Elchzähne, Büffel, Federn – mit Elementen kombinieren, die in der Populärkultur als wertvoll gelten, wie Diamanten, hochkarätiges Gold und Edelsteine.“ sagte Ataumbi.

Die Designerin erklärte, dass die Konsultation der Ältesten ihrer Gemeinschaft der Schlüssel zum Umgang mit historischen oder spirituellen Referenzen war. Laut Ataumbi tun dies nicht-einheimische Marken oft nicht, was zu einer unsensiblen Aneignung heiliger Gegenstände wie Kopfbedeckungen führt, die niemals in einem Modeumfeld verwendet werden sollten. Sie hofft, dass ihre eigene Linie die Verbraucher über den Kontext und die Nachdenklichkeit informiert, die in indigenes Design einfließen, etwas, das selbst sie berücksichtigen muss. „Ich bin mir der Elemente meiner Kultur sehr bewusst, die ich durch meine Arbeit nicht teilen kann, und anderer Elemente, die ein Werkzeug sein können, um Verbindungen herzustellen und unsere traditionelle Ästhetik zu ehren“, sagte sie.

Curtis Hollande
Etikett:Curtis Hollande
Stamm:Líl'wat-Nation
Mit Sitz in:Toronto Kanada


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Für seine Herrenmodemarke sucht der kanadische Designer Curtis Oland nach natürlichen Elementen, um das Problem der Verschwendung in der Branche zu bekämpfen – ein Umweltfokus, der weiterhin im Herzen der indigenen Kultur steht. „Mein Ziel ist es, mehr darüber nachzudenken, woher unsere Sachen kommen“, sagte Oland. „In ein Kleidungsstück steckt so viel spirituelle Energie. Es gibt Energie von den Hirschen, die ihre Haut gegeben haben, von den Würmern, die die Seide geschaffen haben, von den Schafen, die ihre Wolle gegeben haben, und von all den menschlichen Händen, die diese Materialien durchlaufen, um zu mir zu gelangen.“

Angesichts der Verbundenheit der indigenen Gemeinschaft mit der Erde – oder Turtle Island, wie sie es nennen – wurzelt der Fokus des Designers auf die Natur tatsächlich in seiner Erziehung. Oland wuchs im Okanagan Valley in British Columbia auf, wo er nicht in einem Reservat lebte, sondern von indigenen Praktiken umgeben war. „Was mich am meisten inspiriert, sind die Lehren, mit denen ich aufgewachsen bin – der Respekt und die Wertschätzung, die wir für das Leben und füreinander und für die Gaben, die wir von der Erde erhalten, haben müssen“, sagte Oland. „Ich bemühe mich, bei der Produktion meiner Kleidungsstücke nachhaltig und ethisch zu handeln und positioniere mich innerhalb der Branche, um den Wandel zu fördern.“ Oland zog schließlich nach Toronto, um an der Ryerson University Design zu studieren. 2014 stellte er seine erste Herrenkollektion beim Emerging Menswear Designer Award der Toronto Men’s Fashion Week vor, den er gewann.

Seine neueste Kollektion mit dem Titel Visceral Architecture wurde von den rohen und „grotesk schönen“ Elementen der menschlichen Biologie inspiriert. 'Ich dachte an die wundersame Struktur, die der Körper ist', sagte er. „Wir versuchen, bei dem unangenehmen Gedanken an Fleisch und Knochen ein Auge zuzudrücken. Ich wollte diese grotesken Visuals in einer eleganten Form darstellen.“ Zu den Kollektionsteilen gehörte ein Fokus auf rohe, unfertige Materialien, darunter Lederhosen und Trenchcoats oder dicke, darmartige Wollgürtel. Auch die schlichteren Stücke von Oland enthielten bewusst unorthodoxe Details, wie ein kurzärmeliges Oberteil, das seitlich gespleißt und dann geschnürt wird.

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Obwohl er derzeit sein eigenes Label pausiert, um sich mit einer Marke in London zu beraten, plant er, bald zu seinem Label zurückzukehren, um seinen umweltbewussten Fokus fortzusetzen. Er wird auch an einer Ausstellung während der Indigenous Fashion Week in Toronto teilnehmen.

Jamie Reading
Etikett:Jamie Reading
Stamm:Shoshone-Bannock und Luiseño
Mit Sitz in:Pauma Valley, Kalifornien


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  • Treffen Sie 6 indigene Designer, die Mode als Interessenvertretung nutzen
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Die Multiplattform-Künstlerin Jamie Okuma entwirft zwar Konfektionsware und Accessoires, ihre Arbeiten gelten aber auch als Kunst auf höchstem Niveau. Die Künstlerin Shoshone-Bannock und Luiseño aus dem Indianerreservat La Jolla begann bereits mit 18 Jahren mit Kunst und Modedesign zu experimentieren und gründete 2015 ihre Modemarke Okuma. 'Meine ganze Karriere war ein Versuch und Irrtum.'

Ihre Modestücke, die gleichzeitig als Kunstwerke dienen, haben seitdem die Aufmerksamkeit weltweiter Museumskuratoren auf sich gezogen und in Institutionen wie dem Metropolitan Museum of Art und dem Nelson-Atkins Museum of Art ausgestellt, wo ihre perlenbesetzten Schuhe, betiteltAnpassung, sind derzeit zu sehen. Ihre Konfektionskleidung ist auch derzeit ausgestellt in der Texas Fashion Collection der University of North Texas, und sie gewann kürzlich den Best of Show Award der Heard Museum Guild Indian Fair and Market für ihre weiche SkulpturSchützen, ehren, schätzen, mit einer Shoshone-Mutter und ihrem Kind in einer Wiege.

Okuma ist vor allem für ihre „indigenen“ Interpretationen von Luxusmarken bekannt. Ihr bekanntestes Werk sind ihre handbestickten Schuhe von Christian Louboutin, die mit komplizierten Schwalbenmustern bedeckt oder mit Stachelschweinkielen und Hühnerfedern verziert sind. Bis zu sechs Monate dauern die Stücke, um einen frechen Rollentausch in der Aneignung zu vermitteln: Indigene Designer schöpfen aus Massenmodemarken, statt umgekehrt. (Geheimtipp: Sie arbeitet derzeit auch daran, ein Paar Giuseppe Zanottis zu individualisieren.)

Im vergangenen Jahr präsentierte Okuma während der Ausstellung „Native Fashion Now“ in New York auch eine neue Konfektionskollektion. Die Kapsel beinhaltete verstärkte Interpretationen traditioneller Bandkleider und Jingle-Kleider, die bei Powwows zu sehen waren. Für Okuma war es jedoch nie ein ausdrücklicher Wunsch, indigenes Design zu kreieren – stattdessen fand sie Kraft darin, Mode zu nutzen, um ihr Erbe zurückzugewinnen. „Als ich jünger war, wollte ich Mainstream werden, also nur ein Designer sein – kein einheimischer Designer“, sagt Okuma. „Jetzt weiß ich, dass das nichts Schlimmes ist. In einer Welt, in der wir keine Etikettierung vornehmen sollen, muss ich das meiner Meinung nach annehmen. Niemand kann indigenes Design besser machen als wir.“

Okuma arbeitet derzeit an ihren Herbst-Couture- und Konfektionskollektionen. Und obwohl ihre Stücke um den Globus gereist sind, sagte Okuma, dass das Leben in ihrem Reservat weiterhin ihre größten Momente der Kreativität fördert. „Vernetzt zu sein war noch nie ein Kampf [für mich]“, sagte Okuma. „Ich lebe seit meinem vierten Lebensjahr im Reservat und arbeite hier neben meiner Familie. Die Kultur ist immer um mich herum.“

Evan Ducharme
Etikett:Evan Ducharme
Stamm:Metis
Mit Sitz in:Vancouver, British Columbia


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Für den Damen-Konfektionsdesigner Evan Ducharme ist die Erforschung seines Métis-Erbes eine ständige Quelle, um seine Neugier zu befriedigen. Der Designer, der seine Marke 2012 lancierte, wurde in Winnipeg, Manitoba, geboren und wuchs in der Gemeinde St. Ambroise am See auf. 'Es ist seit über 100 Jahren Métis-Territorium', sagte Ducharme. „Dort aufgewachsen zu sein, hat dieses Gefühl des Stolzes, einheimisch zu sein, wirklich tief verwurzelt, und es war eine unschätzbare Ressource, aus der ich für meine Arbeit schöpfen konnte.“

Ducharme lernte das Nähen von seiner Schneiderfamilie. 2010 zog er nach Vancouver, um am Visual College of Art and Design zu studieren. Im vergangenen August stellte Ducharme seine neueste Kollektion mit dem Titel Atavism während der ersten Indigenous Fashion Week in Vancouver vor – eine Initiative, die authentische Darstellungen der modernen indigenen Kultur ermöglicht. „So etwas wie Mode, die unglaublich visuell ist, ist das perfekte Medium“, sagte Ducharme.

Der Designer, der auch auf der Indigenous Fashion Week in Toronto präsentieren wird, plant, eine neue Kollektion zu präsentieren, die als Erweiterung von Atavism dienen wird, die altehrwürdige Praktiken aus seinem Métis-Erbe auf neue Weise aufgreift, wie in seinen bestickten T-Shirts zu sehen ist und Kleider. „Eine der wichtigsten Handarbeiten ist das Weben der Métis-Schärpe, das ursprünglich von Hand und später mit einem Webstuhl ausgeführt wurde“, sagte Ducharme. „Wir haben eine Sticktechnik entwickelt, bei der wir ähnliche Fäden und Muster nehmen, diese dann aber auf ein athletisches Netz auftragen.“

Die Sammlung umfasst auch grafische Drucke eines historischen Volkszählungsdokuments, das Ducharme bei der Erforschung seiner Familienlinie gefunden hat. „Mein Urgroßvater wurde mit französischer Abstammung aufgeführt, dann wurde es ausgekratzt und durch indische Stammesherkunft ersetzt“, sagte Ducharme. 'Wer auch immer die Volkszählung sammelte, wusste nicht, wie er ihn auflisten sollte.' Er digitalisierte den Druck und brachte ihn auf Bomberjacken, Bleistiftröcke und Clutches an.

Louise Solomon
Etikett:Salomos Hand
Stamm:Ojibwe
Mit Sitz in:Toronto Kanada


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Während ein Großteil der indigenen Bevölkerung nach wie vor in Reservaten lebt, definiert die Schmuckdesignerin Louise Solomon aus Ojibwe neu, was es heißt, eine „Stadtbewohnerin“ zu sein. Solomon, der von den Chippewas der Nawash Unceded First Nation stammt, ist in der Innenstadt von Toronto geboren und aufgewachsen. Ihr edles Schmucklabel Hand of Solomon wurde 2013 lanciert und spiegelt die Erziehung der Designerin in der Stadt wider. Es verbindet Elemente aus ihrer Kultur – Birkenrindenarbeit, Elchhaarbüschel, Fischschuppenkunst – mit modernen Motiven wie Edelmetallen und Edelsteinen. „Mein Favorit ist ein biomechanischer Look – ein Stück, das in der Natur verankert ist, aber einen futuristischen Look hat“, sagte Solomon. „Mein Ziel ist es, beide Räume zu überbrücken und zu zeigen, was es für mich bedeutet, in dieser Zeit und im Raum indigen zu sein.“

Solomon studierte Schmuckdesign am George Brown College in Toronto. Obwohl sie in der Stadt aufgewachsen ist, hat sie sich nie von ihrem Erbe getrennt gefühlt. „Ich war vielleicht der einzige indigene Schüler an meiner Schule, aber es war nie ein Problem“, sagte Solomon. „Als ich die schönen Kulturen und Traditionen meiner Freunde sah, war ich auf der Suche, mehr über meine zu erfahren und mit Ältesten und Wissensbewahrern in Kontakt zu treten, die mir ein besseres Verständnis dafür gegeben haben, wer ich bin.“

Zu den herausragenden Stücken aus der neuesten Kollektion von Solomon gehören geflochtene Eheringe, die von Süßgras inspiriert sind und in einer Vielzahl von Ausführungen von Sterlingsilber bis 18 Karat Gold erhältlich sind. Ihr Medizinrad-Anhänger, der aus vier Farben von Swarovski-Kristallen besteht, repräsentiert die Lehren ihrer Kultur in vier Richtungen oder den Ruf, ein vollständiges und ausgewogenes Leben zu führen. Ihre neueste Kollektion wurde ebenfalls von Wölfen inspiriert und umfasst Wolfskrallenabgüsse, die zu Ketten, Anhängern, Manschettenknöpfen, Ringen und Ohrringen verarbeitet wurden. „Indigene Völker und der Wolf haben sehr ähnliche Geschichten und haben viele Gemeinsamkeiten“, sagte Solomon. „Für mich steht der Wolf für Familie, Stolz und Widerstandsfähigkeit – Eigenschaften, die für uns so wichtig sind, um unserer Jugend für eine stärkere Zukunft zu vermitteln.“

Durch die Präsentation einer urbaneren Sicht auf ihre Kultur hofft Solomon, dass ihr nicht-traditioneller Ansatz Licht auf die unterschiedlichen Hintergründe und Lehren der indigenen Bevölkerung werfen wird. Mit anderen Worten: Keine generischen Stereotypen mehr. „Je mehr wir über kulturelle Aneignung sprechen und sie ans Licht bringen“, sagte sie, „desto näher können wir der Versöhnung kommen.“