Harry Bertoias erster und letzter Akt im Museum of Arts and Design

Es ist schwer, die seltsame Magie der Klangskulpturen von Harry Bertoia abstrakt zu beschreiben. Der in Italien geborene, in Pennsylvania lebende Künstler, der 1978 im Alter von 63 Jahren an Lungenkrebs starb und möglicherweise ein Opfer des krebserregenden Berylliumkupfers war, mit dem er gerne arbeitete, verbrachte die letzten 10 Jahre seines Lebens damit, die akustischen Möglichkeiten von Metall zu erforschen , und Audioaufnahmen der Ergebnisse seiner Experimente. Seine Skulpturen gibt es in allen Formen und Größen – viele bestehen aus vertikalen Stangen, andere sind flache Gongs – und wenn Sie das Vergnügen haben, mehrere zusammen in einem Raum zu sehen, kann es sich anfühlen, als wären Sie inmitten eines Gedränges von Dr Seuss-Charaktere. Gemacht, um gespielt zu werden – mit Schlägel, Hand oder Blasinstrument – ​​hat jeder seinen eigenen Ton, seine eigene Persönlichkeit.


Bertoia schmiedete diese Klangkreationen auf seinem Grundstück außerhalb von Bally, Pennsylvania, und kuratierte persönlich eine Sammlung von 91 Favoriten, die sich noch immer in der Scheune seines Aufnahmestudios befinden. Hier wanderte Bertoia mit Hilfe seines Musikerbruders durch sein Instrumentenmeer und schuf eine Symphonie von Klängen, die sie auf Reel-to-Reel-Bändern aufgenommen und später auf 11 Vinyl-LPs bearbeiteten.

Diese LPs wurden in den letzten Lebensjahren des Künstlers und kurz nach seinem Tod veröffentlicht und waren lange Zeit schwer zu finden. Jetzt erleben sie neues Leben: John Brien von Important Records hat die Bänder digitalisiert und kürzlich ein CD-Set namens . veröffentlichtSonambient: Aufnahmen von Harry Bertoia. Aber die Skulpturensammlung selbst, wie NPR berichtet März, ist möglicherweise in Gefahr: Bertoias Kinder befinden sich derzeit in einem Rechtsstreit darüber, ob sie die Stücke in der Umgebung erhalten sollen, die ihr Vater sich vorgestellt hat (die Perspektive seines Sohnes Val) oder sie in ein Museum bringen soll, möglicherweise die Sammlung in der Prozess (die Perspektive seiner Tochter Celia).

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Brosche, 1945Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Auktionshauses Wright

Shannon R. Stratton, Chefkurator am New Yorker Museum of Arts and Design, wo gerade diese Woche eine zweiteilige Ausstellung von Bertoias Werken eröffnet wurde, ist nicht bereit, Partei zu ergreifen. Aber was sie bietet, ist, dass die Scheune „ein wichtiges Stück amerikanischer Geschichte ist. Es ist eine Künstlerumgebung.“


Aus diesem Grund interessierte sich Stratton auch für Bertoia, der sie, wie viele andere, durch die wellenförmigen Metalldrahtmöbel begegnete, die er 1952 für Knoll entwarf. „Ich mag seine Möbel, aber das wäre nicht mein Ding gewesen.“ Stratton sagt. 'Ich bin verliebt in die Scheune.'

Pommerscher Paddington Bär

Die neue Ausstellung im MAD betrachtet die Buchstützen von Bertoias Karriere: den Schmuck, den er als junger Student – ​​und dann Lehrer – an der Cranbrook-Kunstschule außerhalb von Detroit kreierte, und die sonambient (sein Begriff, und er war ein Markenzeichen) Skulpturen, die ihn fixierten sein letztes Jahrzehnt. Die Gegenüberstellung dieser beiden Praktiken macht eines deutlich: Bertoias Interesse daran, Metal zum Singen und Tanzen zu bringen, war eine lebenslange Obsession.


Ich war Anfang dieser Woche bei MAD, um eine Vorschau der Show zu sehen, und Stratton führte mich zuerst durch 'Bent, Cast & Forged: The Jewelry of Harry Bertoia', eine Wanderausstellung, die aus dem Cranbrook Museum in Detroit importiert wurde. Bertoias Zeit in Cranbrook umfasste den Zweiten Weltkrieg, als große Mengen an Metall knapp waren. „Es herrscht echte Sparsamkeit“, erklärt Stratton. 'Er recycelte Metalle, er benutzte Utensilien, Kleinigkeiten.' Wir gehen um die Etuis herum, die seine Designs zeigen: Gong-ähnliche Anhänger; Halsbänder mit flatternden, ineinander verschachtelten Goldbögen; Broschen mit zarten Silberzinken, die fast wie Noten in einer Partitur erscheinen. „Der Schmuck beginnt, die Kinetik zu erforschen“, sagt Stratton. „Das Interesse an Bewegung beginnt sehr früh.“ Dieselbe Neugier auf Linie und Bewegung lässt sich auch in den Monotypien des Künstlers erkennen, die er zeitlebens schuf und die als „ähnlich einem Skizzierprozess“ galten.

Auch der Schmuck selbst kann als Ausgangsmaterial gesehen werden, Ur-Maquettes für Bertoias spätere Kinetik- und Klangskulpturen, die im Mittelpunkt von Strattons Ausstellungshälfte „Atmosphere for Enjoyment: Harry Bertoia’s Environment for Sound“ stehen. „Ich denke, wenn man sich seine Flugbahn anschaut – Drähte, Stäbe, Kinetik, Strichzeichnungen – sind die Klangskulpturen wirklich nur die perfekte Extrapolation all dieser Dinge, die er durcharbeiten wollte“, sagt der Kurator.


In „Atmosphere for Enjoyment“ ist das Hauptaugenmerk das Hören, und die Geräusche, die den Raum füllen – kosmisch, meditativ und vage kirchlich – sind so intensiv, dass ich an einer Ansammlung von Bertoia-Stühlen vorbeigehe, die in der Mitte eines Raumes aufgestellt sind , bemerke ich, dass ihre Drahtrahmen vibrieren. Ein Großteil dieses Lärms kommt aus einem abgetrennten Raum, in dem die Besucher sitzen und zuhören könnenSonambient Museums-Mix, eine Vierkanal-Soundinstallation, die John Brien zum Teil aus den stundenlangen Session-Aufnahmen gemacht hat, die Bertoia nie nutzen konnte. „Es ist unendlich und generativ“, erklärt Stratton. „Du wirst nie dieselbe Komposition zweimal hören.“

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Bertoia-Scheune, Pennsylvania, c. 1975Foto: Beverly Twitchell / Mit freundlicher Genehmigung des Museum of Arts and Design

Etwas außerhalb befindet sich ein Durchgang, der „Bent, Cast & Forged“ mit „Atmosphere for Enjoyment“ verbindet und vier Skulpturen enthält (aus privaten Sammlungen, nicht aus der Scheune). Es gibt eine frühe kinetische Skulptur, wie eine großformatige, dreidimensionale Version von Bertoias flacheren, kleineren Broschen. Daneben stehen drei große Klangskulpturen.

Diese können Sie nicht anfassen, aber in einem anderen Raum befinden sich mehr als ein Dutzend Stücke von Val Bertoia, Harrys Sohn und Studioassistent. Für das ungeübte Auge sind sie identisch mit den Originalen; diese können Sie spielen. Stratton plant, Klangkünstler und Musiker mitzubringen, um die Skulpturen zu verwenden, und sie ermutigt mich, sie auszuprobieren. Quer durch den Raum läuft ein Archivfilm von Jeffrey und Miriam Eger in einer Schleife. Darin manipuliert der Künstler, der ein erstaunliches Retro-Ensemble aus senffarbenem Pullover und roter Hose rockt, nachdenklich seine eigenen Kreationen. Ungeschickt mache ich mein Bestes, indem ich eine hohe Skulptur mit beschwerten Stangen streiche, die klirrend aneinander klirren. Hinten klimpere ich ein dichteres, kürzeres Stück, das einen harfenartig schimmernden Klang erzeugt. Das Vergnügen, eine Bertoia-Skulptur zu spielen, ist genauso taktil wie alles andere, indem man einstellt, wie viel Druck ausgeübt werden muss, um die Instrumente zum Laufen zu bringen, und dann zu verfolgen, wie der Klang im Laufe der Zeit mutiert und sich auflöst. Es dauert nicht lange, bis mich ein Museumsmitarbeiter bittet, die Kunst nicht mehr anzufassen: Sie müssen die Stücke fotografieren, sagt er mir, und es dauert ewig, bis sie aufhören zu zittern.


Bevor ich gehe, weist Stratton mich auf ein Paar Monotypien hin, die an einer nahegelegenen Wand hängen und sich Formen vorstellen, die Uvula ähneln, diesem kleinen Hautlappen, der von der Rückseite des Rachens herabhängt. Sie spiegeln die Formen wider, die Bertoia während seiner gesamten Karriere verwendet hat: die Regenbögen, die in seinem Schmuck erscheinen, die runde Silhouette seiner Gongs. Das Zäpfchen passt, sagt mir Stratton. „Bertoia sprach davon, die Stimme in den Skulpturen zu finden“, sagt sie. „Als er jede Skulptur zum ersten Mal spielte, nachdem er sie gemacht hatte, war es, als hörte er den ersten Schrei eines Babys.“