Von Meistern der Renaissance bis zu Enfants Terribles der 80er – Hamish Bowles präsentiert seine europäische Kunstagenda

Während ich während der Festtage abends einige eklektische Aufführungen nachschaute, recherchierte ich tagsüber ein nicht weniger vielfältiges Sammelsurium neuer Ausstellungen.

Die faszinierende und wunderschöne Römerstadt Arles in der Provence erlebt eine lebendige künstlerische Renaissance, nicht zuletzt dank der Vision und Großzügigkeit der Kulturphilanthropin Maja Hoffmann. Das sich windende Gerüst des Frank Gehry-Gebäudes, das das Herzstück ihrer LUMA Arles-Stiftung bilden wird und experimentelle zeitgenössische Kunst zeigt, dominiert bereits die Skyline der Stadt. Ich besuchte die Van Gogh Foundation, die in ihrer jetzigen Version enthüllt wurde – ein zeitgenössisches Gebäude, das um ein Stadthaus aus dem 17. Jahrhundert herum gebaut wurde. Die aktuelle Ausstellung,La Vie Simple: Lieder der Entfremdung, (bis 2. Lebensstil, den er in diesem Bereich entdeckte. Juergen Teller porträtiert die eher düstere Landschaft seines deutschen Geburtsortes, während Yto Barradas Fotoserie „Iris Tingitana“ aus dem Jahr 2007 den ergreifenden Verlust einer Landschaft dokumentiert, in der diese von Van Gogh selbst so geliebte Blume traditionell unter dem Zement des Bauträgers gedeiht.

Dann war es ein totaler Stimmungswechsel zum entzückenden Musée Réattu der Stadt, als Katerina Jebbs erstaunliche gescannte Fotokompositionen der schönen Königinnen von Arles gesehen wurden, die jedes Jahr gewählt werden und das traditionelle Kleid aus dem späten 19. Lacroix, ein gebürtiger Sohn von Arles.

Das Museum zeigte auch das Werk von Jacques Réattu (1760-1833) in „Arelatenis: Der Traum eines Künstlers“, einer Ausstellung, die den Höhepunkt von 14 Jahren Forschung zu den Werken und Papieren dieses lokalen Künstlers darstellt, der in den 1980er Jahre. Réattus schöne neoklassische Gemälde wurden ursprünglich geschaffen, um Ludwig XVI. und später die Ideale der Revolution zu feiern. Dieser Zeit folgte eine fast 20-jährige Pause, in der sich Réattu auf seine Verantwortung als lokaler Landbesitzer konzentrierte, bevor er nach einer späten künstlerischen Blüte einige der beeindruckendsten Werke seiner Karriere schuf. Eine zweite Ausstellung war dem Werk von Réattus Onkel gewidmet Antoine Raspal deren entzückend naive Genrestudien des 18.Schneideratelier(um 1780) und Porträts hübsch gekleideter lokaler Granden und ihrer Damen lassen den Charme der Provence des 18. Jahrhunderts lebendig werden.

In Paris kurz darauf im Pompidou riss ich wie eine Fledermaus aus der Hölle durch die galoppierende Cesar-Retrospektive. Nicht meinTasse Tee. Aber ich verweilte bei dem leckeren „Derain, 1904-1914: The Radical Decade“ in den Galerien nebenan. Gertrude Stein beschrieb Derain als 'den Christoph Kolumbus der modernen Kunst', und er versuchte sicherlich sein abenteuerliches Händchen bei jedem modischen Genre, stolperte von der Fotografie und der jüngsten Innovation des bewegten Bildes zu Skulptur und Keramik, während er gleichzeitig innovative neue Kunstformen umfasste, einschließlich Fauvismus, Primitivismus und Kubismus. Die Ausstellung ist voll von farbenfrohen Wundern.

Quer durch die Manche gab es zwei absolut sensationelle Ausstellungen. In der Tate Modern verfolgt das prächtige „Modigliani“, das bis zum 2. Wie Derain und sein Freund Picasso ließ sich Modigliani von der afrikanischen und pazifischen Kunst inspirieren, aber es ist die Abschwächung seiner Porträts und seiner durchwegs Akte des 20. Seine Porträts von Ästheten wie dem gesellschaftlichen Dichter Jean Cocteau und dem Künstler Baranowski (Doppelgänger für einen Teenager, wahrhaftig), grenzen an Karikatur, aber seine ergreifenden Kinderstudien und zärtlichen Darstellungen seiner tizianhaarigen, türkisäugigen Geliebten Jeanne Hébuterne, ein 19-jähriger Kunststudent, als sie sich kennenlernten, machte die Haare am Hals stramm. Die Porträts von Hébuterne pulsieren von der Leidenschaft, die dieses Paar eindeutig teilte. Modigliani starb im Alter von 35 Jahren an tuberkulöser Meningitis und eine verzweifelte Hébuterne, die im neunten Monat mit ihrem zweiten Kind schwanger war, nahm sich am nächsten Tag das Leben.

Downtown Manhattan in den frühen 1980er Jahren war nichts für schwache Nerven, und ich sollte es wissen: Ich war dort, schlich auf Zehenspitzen durch die ausrangierten Nadeln des Tompkins Square Park, um zum Pyramid Club zu gelangen, gekleidet in zierliche Lack-Abendschuhe mit Schleifen und einer Chanel-Tasche über meine Schulter geschlungen; in den U-Bahn-Wagen mit Fenstern, die von der Arbeit des unermüdlichen Graffiti-Künstlers völlig verdeckt sind, oder – Luxus des Luxus – in einem ramponierten Taxi herumgeworfen zu werden, während es durch die Schlaglöcher pflügte, die die gemeinen Straßen der Stadt mit Blasen bedeckten.

„Basquiat: Boom for Real“ (bis 28. Januar – schwimmen Sie dort, wenn nötig) im Londoner Brutalist Barbican Centre ist nicht nur eine hübsche Hommage an dieses proteanische Genie, die von Eleanor Nairne elektrisierend kuratiert wurde, sondern eine bemerkenswerte Beschwörung dieser intensiv kreativen Zeit und dieses Ortes . Ich saß wie gebannt von Auszügen aus Glenn O'Briens herrlich maroden TV-Party-Sendungen; ohnmächtig über eine Wand voller Maripols stimmungsvoller Polaroids, die die Stars der Innenstadt darstellen, die den Mudd Club beleuchteten – von der damaligen Basquiat-Freundin Madonna (damals eine Musikkünstlerin ohne Vertrag) über Dianne Brill bis Keith Haring und Debbie Harry bis hin zum allgegenwärtigen Warhol, mit dem Basquiat zusammenarbeitete – und saß wie gebannt durch den abendfüllenden Film (jetzt genannt)Innenstadt 81. Es zeigte Harry als Märchenprinzessin und verschiedene aufstrebende Kunstwelt- und Hip-Hop-Charaktere in Cameo-Rollen, wobei ein 19-jähriger Basquiat als aufstrebender Kunststar die Hauptrolle spielte. Einfach erstaunlich. Ebenso wie Basquiats Werk, mit Kraft und Durchschlagskraft, um die Jahrzehnte zu überwinden und noch einmal seinen Tod zu betrauern.